Les meilleures scènes de film de 2019 à ce jour

Par Amy Roberts/30 juillet 2019 16h05 HAE

Le meilleur de tout est toujours subjectif. La poubelle d'une personne est le trésor d'une autre, après tout. C'est vrai pour presque toutes les formes de divertissement, et c'est particulièrement vrai pour les scènes de film. Bien qu'il puisse logiquement s'ensuivre que les meilleures scènes de film de l'année proviendront de ce que le public considère généralement comme les meilleurs films de l'année, il est également vrai que parfois les meilleures scènes proviennent de films qui ne se distinguent pas du tout, mais qui a excellé en un ou deux moments qui ont éveillé l'attention du public partout.

Les meilleures scènes de film sont souvent celles qui suscitent la curiosité et débattent ou unissent un public dans une horreur, une hilarité, une confusion, un triomphe ou un dégoût complets et absolus. Ils peuvent parfaitement se retrouver dans des conversations déjà existantes concernant la culture pop ou la société elle-même - mais surtout, ce sont aussi des scènes qui sont tout simplement aussi excitantes que possible.



Dans cet esprit, ce sont les meilleures scènes de film de 2019 jusqu'à présent. Oui, il y aura des spoilers.

Auto-évaluation de Captain America dans Avengers: Fin de partie

Pour comprendre la vraie grandeur duAvengers: Fin de partie scène dans laquelle le Captain America (Chris Evans) de 2012 affronte le Captain America de 2023, vous devez d'abord apprécier le commentaire de Scott Lang (Paul Rudd) plus tôt dans le film selon lequel le héros patriotique a `` le cul de l'Amérique '' - une observation que même le plus ardent des hommes hétérosexuels ne serait probablement pas en désaccord avec.

le exploit technique de Captain America se battant est impressionnant en soi. Une combinaison d'effets visuels vraiment impressionnants, d'un éclairage intelligent et d'une chorégraphie sans faille de l'acteur et de ses doublures de cascadeurs rendent la scène totalement transparente, laissant de la place à tous les rythmes comiques pleins d'esprit qui y apparaissent.



Le résultat est une scène mémorable qui rend service aux fans sans détourner de l'intrigue. En fin de compte, c'est aussi une scène qui rend un hommage chaleureux à un personnage qui bouclera la boucle au final. Mais c'est le dernier moment qui sert le plus de gains - et peut-être le moment le plus drôle de l'ensemble MCU. Après avoir vaincu son auto en 2012, Captain America prend un moment pour se vérifier (comme vous le feriez) avant de commenter: est Le cul de l'Amérique!

Si l'Académie n'invente pas une toute nouvelle catégorie America's Ass aux Oscars de cette année pour donner à Evans le trophée qu'il mérite de tout cœur, alors il n'y a tout simplement pas de justice dans ce monde.

Tree vit ses meilleurs décès dans Happy Death Day 2U

le Jour de la mort heureuse suite peut marcher plus d'un itinéraire de science-fiction que le chemin de l'horreur du premier film, mais il ne perd jamais son sens de l'humour campagnard et macabre. Cette fois, Tree se retrouve à se réveiller dans une réalité alternative où sa mère est toujours en vie, son petit ami sort avec sa frénésie et elle est à nouveau prise au piège dans une boucle temporelle qui se réinitialise à chaque fois qu'elle meurt.



À mi-chemin du film, Tree et son gang de fidèles nerds scientifiques découvrent qu'ils peuvent peut-être réparer la boucle temporelle, mais qu'ils doivent également gagner du temps afin de tester leurs théories et de le comprendre. Malheureusement pour Tree, cela signifie qu'elle doit être un enregistrement humain de leur travail, et elle doit également se tuer à plusieurs reprises afin qu'ils puissent continuer à réinitialiser la chronologie. Le montage résultant, parfaitement adapté à l'hymne optimiste de survie de Paramore 'Les temps difficiles»Est une séquence magistrale d'humour noir qui donne à Tree un sombre sentiment d'autorité sur sa vie et sa mort.

Dingo, mais consciente d'elle-même, la scène présente une série relativement sans gore de morts macabres impliquant des déchiqueteuses de bois, un nettoyeur de drains et une électrocution. Mais le plus beau implique Tree tombant librement d'un avion dans ses sous-vêtements et brisant le quatrième mur pour renverser le public avant d'exploser sur le sol juste en face de son beau et de sa petite amie actuelle. C'est vraiment amusant.

Billy renforce sa famille à Shazam!

Shazam! Est facilement l'un des plus grands films de l'année jusqu'à présent, et aussi le plus brillant de manière inattendue. Si nous sommes tous honnêtes, est-ce que quelqu'un s'attendait vraiment à ce que ce film soit le plaisir exceptionnellement intelligent, plein d'esprit et touchant qu'il s'est avéré être? Probablement pas.

Le film montre sa plus grande main pendant l'apogée, où Billy surpasse le méchant arrogant Dr Sivana en encourageant ses frères et sœurs nourriciers à tendre la main pour le sceptre enchanté de Shazam afin qu'ils puissent partager son pouvoir entre eux. Les enfants, tous délicieusement excentriques à leur manière, sont transformés en super-héros adultes qui peuvent aider leur nouveau frère à sauver la situation.

série comme le miroir noir

C'est un moment tumultueux et qui relie les thèmes centraux du film qui tournent autour de l'importance de la famille, mais aussi de la valeur des configurations familiales non conventionnelles. Et la famille Shazam, volant dans le ciel en tant que super-héros adultes et travaillant ensemble pour servir un battement satisfaisant, est à peu près aussi peu conventionnelle que possible.

L'épreuve de force ballétique à la fin de nous

Le joyau de la couronne d'un film empilé de scènes hors du commun, Lupita Nyong'o donne une double performance incroyable dans cette confrontation finale entre les doppelgängers Adelaide et Red enNous. Situé dans le monde souterrain du Tethered et marqué par le 'Remix attaché'de Luniz' I Got 5 On It ', la scène (qui était filmé en seulement deux jours) est un chef-d'œuvre de rythme, de tonalité et de chorégraphie parfaits.

Montrant Adélaïde et Rouge face à face pour la dernière fois, entrecoupés de séquences des deux partageant un récital de ballet qui sépare le monde d'en haut et celui d'en bas, réalisateur Jordan Peele insuffle à la séquence un rythme éclaté qui accroît vraiment la tension.

C'est une bagarre qui met en évidence ce qui est en jeu - le désir de jouir du libre arbitre dans le monde bien plus agréable au-dessus du sol et la possibilité d'une vie heureuse avec une famille aimante. Mais cela sert également à l'atterrissage explosif de la dernière torsion que Peele lance diaboliquement pendant les scènes de clôture du film: Adélaïde et Red ont changé de place quand ils étaient enfants, et la femme que nous avons encouragée tout au long de la journée a peut-être été la méchante. C'est pour le moins énervant.

La courte scène d'amour de Long Short

Historiquement, le cinéma n'a pas toujours été le plus précis lorsqu'il s'agit de décrire le sexe de la façon dont le mortel moyen le possède. Plutôt que de montrer le parfois grossier, souvent maladroit, et parfois Très bref aspects de deux humains, les films se concentrent plutôt sur le sexe épique, parfait et étonnant.

C'est ce qui rend la scène de sexe abrupte entre le journaliste hipster de Seth Rogen et le candidat présidentiel de Charlize Theron dans le rom-com politique Long Shot d'autant plus intrigant. Cela dure environ dix secondes et, d'une manière ou d'une autre, les deux parties sont satisfaites à la fin - pas seulement le mec. La scène a attiré colère immédiate de certaines femmes qui étaient naturellement frustrées par la représentation d'une femme atteignant le point culminant si facilement.

Cependant, cela fait également partie de la force de la scène: c'est inattendu, un peu maladroit et merveilleusement imparfait. Surtout, l'étrangeté du moment ne passe pas inaperçue, les deux personnages discutant immédiatement de la rareté d'une satisfaction aussi rapide. Ce faisant, la scène offre une brève mais bienvenuecommentaire sur les clichés hollywoodiens de personnages féminins apparemment super facilement excités.

Mais ce qui est peut-être le plus intéressant, c'est pourquoi la scène a pu être si courte. Theron a dit que l'une des raisons est parce qu'elle était simplement 'fatigué ce jour-là'et' ne voulait pas faire tout le travail. ' Ce qui, comme Rogen l'a répliqué, ressemble beaucoup au vrai sexe.

Keanu Reeves comme lui-même dans Always Be My Maybe

2019 a été officiellement l'année de Keanu Reeves et cela a pris du temps, réunissant enfin les critiques et le public pour célébrer sans vergogne l'acteur notoirement privé comme une marque rare et légitime de star (et apparemment très gentil), à la fois à l'écran et hors tension.

C'est une idée que la rom-com Netflix Original Soyez toujours mon peut-être pousse avec fierté sur le devant de la scène avant de déconstruire le statut bien-aimé de Reeves pour des rires énormes. La scène est parfaitement mise en place, Sasha (co-scénariste Ali Wong) attend l'arrivée de son mystérieux nouveau petit ami lors d'un double rendez-vous avec la vieille étincelle Marcus (Randall Park), qui est clairement déjà nerveux à l'idée de rencontrer le gars qui sort avec le l'amour de sa vie.

Lorsque Reeves arrive enfin, le réalisateur Nahnatchka Khan donne au moment de la bombe la gravité et le drame qu'il mérite. L'acteur glisse à travers le restaurant au ralenti et arrête complètement l'articulation. Naturellement, Marcus est horrifié.

C'est un joyau comique d'une scène où Reeves dépeint une version délirante de lui-même: amplifié, excité comme l'enfer et plein de tentatives banales de philosophies poignantes comme: `` Les seules étoiles qui comptent sont celles que vous regardez lorsque vous rêvez. ' La scène est si parfaitement exécutée et chronométrée, frappant ce zeitgeist de Keanussance juste au bon moment, qu'elle engloutit pratiquement le reste du film.

Fyre révèle un plan de paiement inquiétant pour l'eau

Quand le documentaire très attendu des enfants riches passe un mauvais moment les mecs, Diffusé sur Netflix sur Internet, a produit une mâchoire collective de mèmes déconcerté par les révélations d'Andy King, le planificateur d'évènements qui souffre depuis longtemps du condamné grotesque Festival Fyre.

Le film est un aperçu tawdry mais captivant de ce qui se passe lorsqu'un festival de luxe à grande échelle ne reçoit qu'une planification au niveau de la surface et aucune logistique raisonnable pour que la chose se produise réellement. C'est donc incroyable, mais douloureusement plausible, quand à mi-chemin King révèle que le fondateur de Fyre Festival, Billy McFarland lui a demandé de `` prendre une grande chose pour l'équipe '' (et c'est plutôt littéral grosse chose) afin d'obtenir de l'eau potable par les douanes.

explication d'arrivée

Mais ce n'est pas seulement l'audace de McFarland de demander à un membre gay de son personnel d'accomplir un acte sexuel sur un homme qui continue de susciter une conversation en ligne. C'est aussi l'acceptation dévouée de King qu'il a simplement dû faire ce que McFarland a dit pour sauver le festival. 'Peux-tu imaginer?' il demande. «Au cours de mes trente années de carrière, c'est ce que j'étais prêt à faire. '

Naturellement, King a en fait demandé aux cinéastes de retirer l'anecdote du documentaire, mais il a été apparemment dit du réalisateur Chris Smith, «Sans cette scène, il n'y a pas de documentaire». Smith n'avait pas tort. Le moment inquiétant est la cheville ouvrière de toute la débâcle choquante, et est malheureusement représentatif d'une économie de la culture des concerts où les travailleurs sont constamment invités à aller au-delà de leur travail.

Le camée captivant de Captain Marvel de Stan Lee

le hommages étaient à juste titre sans fin lorsque la légende de la bande dessinée Stan Lee est décédé à l'âge de 95 ans en novembre 2018. En plus d'aider à créer certains des héros de bandes dessinées les plus vénérés de tous les temps, Lee reste une icône culturelle pop estimée - une dont le statut de légende a été défendu à plusieurs reprises dans tous les camées il l'a fait dans l'univers cinématographique Marvel.

C'est ce qui fait son camée Captain Marvel si foutrement émotionnel. Si vous n'avez pas jeté au moins une larme au cinéma sur son apparence et que Carol Danvers (Brie Larson) sachant sourire dans sa direction, alors vous pourriez être mort à l'intérieur.

Se déroulant en 1995, la scène montre Lee en train de lire le script de Mallrats, un film dans lequel il a également apprécié une brève apparition dans une scène en face de Jason Lee. Il s'avère que ce n'était pas seulement le public qui avait une boule dans la gorge pendant la scène. Mallrats cinéaste et aficionado de la bande dessinée Kevin Smith a avoué qu'il était 'un gâchis lamentable'après l'avoir regardé.

Avoir Lee camée comme lui-même dans la scène rend un hommage unique et plein d'amour à l'homme à qui la culture pop doit tant. Mais il met également en évidence l'un des plus grands aspects de bon nombre des films récents du MCU: leur capacité à être conscient de soi tout en offrant des moments émotionnels qui collent positivement aux fans.

Le combat au couteau en désordre dans John Wick: Chapitre 3

Soyons honnêtes.John Wick: Chapitre 3 - Parabellum regorge de décors et de scènes scandaleux qui pourraient et devraient figurer sur cette liste. Entre Wick enrôlant l'aide d'un cheval et certains chiens spécialement entraînés à l'assaut à grande échelle sur le Continental - franchement, nous avons l'embarras du choix. Mais le combat au couteau au hasard qui a lieu dans le magasin d'antiquités est à un tout autre niveau.

Le réalisateur Chad Stahelski, un grand fan de Sergio Leone, a déclaré que la scène est «une ode directe à Le bon le mauvais et le laid, 'avec Wick à la recherche d'un pistolet antique qu'il peut assembler pour repousser ses attaquants. Dans le chaos de la recherche et de la construction de l'arme, cependant, Wick se retrouve engagé dans un combat au couteau maladroitement réaliste qui ne représente guère plus qu'un groupe de mecs se jetant des objets tranchants l'un contre l'autre, et ne réussissant pas à faire en sorte que la plupart d'entre eux collent réellement.

«C'est juste la réalité. Tout le monde a jeté un couteau et il n'est pas coincé et a rebondi '', a déclaré Stahelski Polygone. `` Nous avons tous ces assassins qui lancent des couteaux et rien ne colle et l'un reste ici et celui-ci ne le fait pas ... Nous pensions juste que ce serait hilarant ''. Le résultat est une séquence d'action presque parfaite avec une chorégraphie aussi bien synchronisée pour la tension que pour la comédie.

Charlotte et Lizzie se vengent dans The Perfection

Les dernières années ont vu une nouvelle récolte de films de vengeance dirigés par des femmes comme MFA, Enfer froid, et Vengeance apporter le genre bien usé au public moderne. Bien que brillants, ces films ne remettent pas exactement en cause la nature formelle de leurs prédécesseurs. Entrez chez Richard Shepard La perfection, un film avec une telle tournure sur le film de vengeance si violemment inattendu qu'il légitimement rendu le public malade.

L'une des façons dont le film excelle est d'épargner au public toutes les scènes gratuites des actes pour lesquels les protagonistes féminines cherchent à se venger. En fait, le film ne devient vraiment un récit de vengeance pour viol dans l'acte final du film, où Lizzie (Logan Browning) et Charlotte (Allison Williams) révèlent leur allégeance après être devenues amantes, puis ennemies, après leur rivalité professionnelle initiale.

Influencé par films d'exploitation et le travail de Park Chan-Wook, la scène dans laquelle Lizzie et Charlotte s'associent pour tuer Anton (et le reste de son équipe sauvage), mentor de la violence sexuelle, est une symphonie de représailles violentes empilées de rebondissements et de surprises. Tout cela nous amène au dernier plan du film: un épilogue dans lequel Charlotte et Lizzie jouent du violoncelle ensemble alors qu'Anton - maintenant sans membres, les yeux et la bouche cousus fermés - est obligé d'écouter dans un silence immobile. C'est ridicule? Oui. Mais est-ce aussi incroyablement, perversement satisfaisant? Vous betcha!

Hoboman tue son plus grand critique dans Velvet Buzzsaw

La satire pointue du monde de l'art de Dan Gilroy divisé consensus critique et public en raison du mélange audacieux du film d'horreur campy, de symbolisme subtil et de performances à couper le souffle. Quoi qu'il en soit, il reste un film unique aimé de ceux qui apprécient de telles choses. Avec une histoire qui suit au sens propre des œuvres d'art tueuses et un ensemble de brutes prétentieuses de l'industrie de l'art qui sont ensuite assassinées par les œuvres qu'elles déchirent en lambeaux dans leurs critiques, Velvet Buzzsaw regorge de déclarations sur les dangers de réduire l'art à une marchandise.

Il n'y a aucun moment où cette idée brille plus fort que celle où le critique d'art sauvage Morf (Jake Gyllenhaal, en pleine forme) est brutalement poursuivi et tué par une œuvre d'art appelée Hoboman, une pièce critiquant le manque de valeur accordée à la vie humaine. En insufflant à la scène de délicieuses touches d'ironie, c'est le même travail que Morf rend sans valeur au début du film quand il sert une critique à ce sujet qui envoie la pièce en stockage indéfini.

Regarder Hoboman piéger et casser Morf dans une tombe précoce fournit une justice délicieusement poétique à une époque où le rôle de l'art (et des critiques qui peuvent le tuer) reste un sujet de conversation brûlant.

La scène de sexe troublante de Christian à Midsommar

Personne ne s'attendait à ce qu'Ari Aster serve même une seule cuillère de bons moments après avoir servi jusqu'à dix cuillères de cauchemars au total avec son premier hit d'horreur Héréditaire. Et bien que ce soit à peine les vacances suédoises de National Lampoon, Midsummer en quelque sorte équilibre un sentiment de terreur continu avec une comédie vraiment sombre.

steven seagal 2019

C'est une facette qui prend tout son sens lors du tournant du troisième acte du film, lorsque le pire petit ami de l'année Christian (Jack Reynor) est drogué et contraint à avoir des relations sexuelles avec une femme qui n'est pas sa petite amie, Dani ( Florence Pugh). Pour le rendre encore plus inconfortable pour tout le monde, il y a aussi un pack de femmes nues plus âgées qui guident Christian jusqu'à la fin parce que, eh bien ...pourquoi pas?

La scène se joue comme la punchline acerbe d'une blague parfaitement conçue. C'est la conclusion étrangement inévitable de plusieurs intrigues qui incluent Christian mangeant une tarte au sort d'amour cuit avec un ingrédient dérangeant et Dani sachant dès la toute première scène du film que son petit-ami va la quitter - un fait d'autant plus dévastateur quand elle l'attrape en flagrant délit avec la moitié de la population de la ville.

Cela crée une expérience d'audience nettement désorientante dans laquelle le spectateur ne sait pas s'il doit rire ou se recroqueviller. Bien qu'il y ait évidemment des scènes plus puissantes et horribles dans Midsummer, c'est celui qui illustre le mieux le talent d'Aster pour renverser les attentes du public de la manière la plus surprenante et la plus bouleversante possible.

La danse de la victoire d'Arthur dans Joker

La danse de la liberté. Les cloches de la mort. La sensation virale instantanée d'Arthur Fleck (Joaquin Phoenix) scintillant une bosse d'un homme et grind un ensemble d'étapes pour `` Rock and Roll Part 2 ''. Todd Phillips ' Joker a été l'un des films les plus discutés (et les plus controversés) de l'année. Et bien qu'il y ait beaucoup de scènes dans le film qui sont plus difficiles ou significatives sur le plan thématique, c'est l'image de Fleck célébrant victorieusement sa descente dans une domination violente qui est devenue instantanément emblématique.

le sorceleur tissaia

Naturellement, il est devenu un mème instantané, mélangé à tout, de Peppa Pig à Les Simpsons, lui prêtant une puissante monnaie culturelle. Les marches du Bronx où la scène a été tournée sont même devenues envahi par les touristes pendant la nuit, désireux de se prendre dans des poses similaires. Certains d'entre eux n'avaient même pas encore vu le film, mais comprenaient sa riche valeur Instagrammable.

Qu'il s'agisse de la meilleure scène de Joker, le moment résume parfaitement une grande partie du débat chaleureux concernant la nature polarisante du film. Pour certains, le jive de Fleck d'émancipation exaspérante d'un monde qui l'a maltraité et lui a échoué est la preuve de Jokerest souvent brillance sans paroles. Pour les opposants, c'est un témoignage de ce qu'ils croient être un exercice de superficialité luride- celui qui offre peu de profondeur dans la conversation concernant les dangers sociaux inquiétants actuels. Quelle que soit votre opinion à ce sujet, il est probable que nous en parlerons tous encore pendant un certain temps.

Tarantino corrige l'histoire dans Once Upon à Hollywood

C'est comme Anton Chekhov l'a dit un jour: si vous allez avoir un lance-flammes flamboyant dans le premier acte de votre histoire, alors vous feriez mieux de faire sauter ce mauvais garçon au Famille Manson par l'acte final. Quentin Tarantino fait exactement cela dans le dénouement profondément satisfaisant de son film de la période révisionniste, qui voit Sharon tate (Margot Robbie) échappe à son destin infâme et horrible dans la vraie vie tandis que Cliff Booth (Brad Pitt) et Rick Dalton (Leonardo DiCaprio) bros-for-life brisent la viande du groupe déchaîné de Charles Manson.

Offrant une fantaisie d'effusion de sang qui s'appuie fortement sur le sinistre sous-texte du meurtre de Tate Pour attirer l'exaltation et les rires du public, Tarantino pénètre dans un territoire absurde en présentant Booth déployant ses compétences de cascadeur pour décréter une violence réelle contre des personnes très mauvaises. Les crânes sont brisés, les boîtes de nourriture pour chiens deviennent des missiles et les slapstick macabres abondent. Pendant tout ce temps, un Dalton perdu flotte dans sa piscine avec une gigantesque paire d'écouteurs, parfaitement inconscient de la violence qui se déroule à l'intérieur de sa propre maison.

Tarantino a été interrogé à plusieurs reprises sur sa position quant à savoir si la violence à l'écran influe sur la violence dans le monde réel, et est resté inchangé sur son opinion que «la violence dans la vie réelle est la violence dans la vie réelle. Les films sont des films. ' Il était une fois à Hollywood, et en particulier sa finale joyeuse, peut être sa déclaration la plus audacieuse à ce sujet, amenant deux personnages qui travaillent avec la violence fictive dans un moment de traumatisme réel. Et ce faisant, le cinéaste propose une fin de conte de fées corrective pour un horrible massacre historique.

Usher frappe le club à Hustlers

Le film policier de Lorene Scafaria Hustlers pourrait être l'une des études les plus étonnamment brillantes du krach boursier de 2008 filmé. À la suite d'une troupe de strip-teaseuses qui volent des milliers de dollars à des hommes riches après que l'accident ait mis une brèche colossale dans leur entreprise, Hustlers établit une nette distinction entre l'hédonisme américain avant 2008 et la récession difficile qui a suivi. En rappelant le dernier grand moment du club de strip-tease (et peut-être même de l'Amérique) où elle et ses filles travaillaient avant le crash, Destiny (Constance Wu) décrit la nuit où Usher est venu faire la fête, et la scène qui en résulte est un somptueux portrait de cupidité et exubérance.

Filmé en utilisant des benjamins réels (parce que, comme l'a rappelé Wu, Scafaria pensait 'le faux argent avait l'air trop bizarre'' et mettant en scène Usher jouant lui-même, la scène est autant un fantasme jubilatoire de l'excès de la fin des années 2000 que c'est un voyage nostalgique sans vergogne, le tout sur la bande sonore de `` Love in This Club '' d'Usher. Le résultat est une scène qui se délecte d'être méta, tout en pulsant avec l'ironie dramatique que cette maison de Benjamins est sur le point de tomber à tout moment. Comme l'a dit Scafaria Thrillist, la scène est cruciale pour de nombreuses raisons. «Je pense que nous culminions tous culturellement avant le crash. Je pense que la culture pop atteignait ... un point culminant. Tout le monde vivait en excès. C'était comme si de l'argent pleuvait du ciel et puis, évidemment, ce n'était pas le prochain.

L'épreuve de force samoane à Hobbs & Shaw

Rapide et furieux Les fans de franchise savent à quoi s'attendre avec l'arrivée de chaque nouveau film: une action plus grande, meilleure et encore plus absurde que la précédente. L'épreuve de force de Samaon Cadeaux rapides et furieux: Hobbs & Shaw vraiment intensifié le jeu et rendu service aux fans qui apprécient depuis longtemps les capacités absurdement surhumaines des hommes machos du film. Cette fois, Luke Hobbs de Dwayne Johnson a abattu un hélicoptère à mains nues, créant un nouveau précédent pour les vitrines délirantes du machisme de la franchise.

Mais c'était aussi bien plus grand qu'un simple flex fou d'hypermasculinité. Se déroulant aux Samoa avec une énorme distribution d'acteurs polynésiens pour aider à éliminer le mercenaire génétiquement amélioré d'Idris Elba, la scène a utilisé une culture qui reçoit rarement une représentation à l'écran pour l'une des plus grandes pièces de la franchise. Le scénariste Chris Morgan même incorporé des histoires de l'éducation de Johnson pour donner à la scène une certaine authenticité familiale en développant une trame de fond pour Hobbs, avec le cousin de Johnson (Joe Anoaʻ'i, mieux connu sous le nom de lutteur Roman Reigns) également dans la scène. Johnson a dit The Ringer«C'était une véritable opportunité de présenter au monde une de mes propres cultures authentiques.»

Par la suite, la scène mélange une action à indice d'octane élevé avec un véritable pathos, explorant le stress trop relatable qui peut survenir lorsque vous rentrez longtemps à la maison (pour découvrir que votre mère a jeté toutes vos précieuses affaires, rien de moins ). Mais avec tout un tas de coups de poing et d'explosions qui, heureusement, ne se produisent pas dans nos propres homecomings.

Le bain de sang d'anniversaire dans Parasite

Offrant une satire brûlante qui explore les divisions de plus en plus grandes, le chef-d'œuvre sombre et comique de Bong Joon-HoParasite offre une narration poignante et choquante pleine de rebondissements déchirants et inattendus. Explorant l'histoire d'une famille démunie qui se fraye un chemin pour travailler en tant qu'individus pour une famille obscurément riche, le film tire une conclusion horrible dans laquelle les pauvres sont obligés de se battre entre eux pour les restes les plus humbles et les plus horribles. Chaque thème exploré par Joon-Ho prend une tête déchirante lors de la fête d'anniversaire de l'acte final, au cours de laquelle un homme qui vivait au sous-sol de la maison de la famille riche émerge pour un acte de vengeance violent.

C'est une avalanche d'effusions de sang qui arrive apparemment de nulle part et qui dégénère en une fin tragique. Ceux qui vivent dans la servitude et (littéralement) sous cette riche famille finissent par s'affronter plutôt que de reconnaître les vrais méchants qui maintiennent leur lutte - la famille riche qui est inconsciente de leurs souffrances. Pour un film qui se délecte de la marque autoproclamée d'humour décalé de Joon-Ho, la séquence imprévisible et macabre annonce le message central du film avec un coup de poing guttural qui mène directement à une conclusion morose. Comme l'a dit le cinéaste Vautour«C'est assez cruel et triste, mais je pensais que c'était réel et honnête avec le public.»