Les moments les plus déroutants des films d'horreur expliqués

Par Elle Collins/24 mai 2018 11 h 45 HAE

Pour beaucoup d'entre nous, peu de choses sont plus effrayantes que l'inconnu. Quand nous savons ce qui se passe, même si c'est quelque chose de terrifiant, notre cerveau veut se concentrer sur des solutions: comment le vaincre ou s'en éloigner. C'est pourquoi les films d'horreur confondent volontairement les téléspectateurs. Si vous n'êtes pas sûr de ce qui se passe, votre cerveau s'emballe dans sa recherche de réponses, ce qui rend l'expérience globale beaucoup plus déconcertante.

Cependant, une fois que vous avez vécu l'horreur en regardant un film, vous pouvez vous retrouver à chercher d'autres réponses sur ce que vous venez de voir. Que ce soit un mystère mis en place par les cinéastes à résoudre, ou quelque chose de bien plus étrange qui est censé rester mystérieux, il est courant de nos jours de se tourner vers Internet pour obtenir des réponses aux questions qu'un film laisse ouvertes. Pour ceux qui cherchent à mieux comprendre vos moments de terreur déconcertants préférés, voici quelques-uns des moments les plus déroutants des films d'horreur - et ce qui se cache derrière.



Vidéodrome

Vidéodromeest arrivé en 1983 avec la permission de l'écrivain / réalisateur David Cronenberg, et ce sont peut-être ses deux faits les plus marquants. Le monde était obsédé par les nouvelles avancées de la technologie vidéo à l'époque, en particulier l'arrivée de cassettes et enregistreurs VHS abordables. Cronenberg, quant à lui, a toujours été obsédé par les aspects horribles et visuellement dégoûtants du corps humain. Tout est venu avecVidéodrome, dans lequel le producteur de télévision louche Max Renn (James Woods) développe un nouvel orifice dans son abdomen dans lequel des cassettes vidéo peuvent être insérées afin de lui donner des hallucinations et de contrôler son esprit.

Bien que la transformation inquiétante ne devienne qu'une partie d'une plus grande conspiration au sein de l'intrigue du film, elle a également une signification symbolique évidente. Alors que Renn et d'autres personnages regardent des vidéos de sexe et de torture, il y a une façade de distance entre le spectateur et le sujet. Ce que l'apparence de l'emplacement VHS de Renn semble indiquer, c'est que Cronenberg considère cette distance comme fausse. Lorsque vous autorisez ces images dans vos yeux et votre cerveau, elles deviennent tout autant partie de vous que si quelqu'un les a insérées directement dans vos tripes. Cette paranoïa vidéo centrée sur la bande peut sembler datée des décennies plus tard, mais le message est toujours d'actualité, même si la technologie a changé.

pokemon épée et différences de bouclier

Antéchrist

Lars Von Trier Antéchrist est un film dérangeant, qui se déroule dans un monde pas tout à fait le nôtre. Il commence par la mort d'un petit enfant, puis suit les parents anonymes (Willem Dafoe et Charlotte Gainsbourg) dans une cabane de montagne isolée où le mari utilise des techniques psychologiques pour tenter d'aider la femme dans son extrême chagrin. Une fois là-bas, les choses sombrent dans la folie alors que le personnage de Gainsbourg exprime sa conviction que toutes les femmes sont mauvaises, puis fait de son mieux pour le prouver en torturant son mari et en se mutilant. Il apparaît également qu'elle maltraitait leur fils et qu'elle avait peut-être consciemment choisi de le laisser mourir. En cours de route, il y a beaucoup de références aux sorcières, et trois mauvais esprits apparaissent sous la forme d'un renard, d'un corbeau et d'un cerf.



À la fin du film, un Dafoe gravement blessé quitte la cabine seul, revenant en boitant vers la civilisation. Soudain, il voit de loin de mystérieux personnages monter sur la colline. Bientôt, toute la colline fourmille d'une vaste foule de femmes sans visage, qui passent devant lui comme s'il n'était pas là. S'agit-il des esprits des sorcières du passé ou des femmes qui ont été faussement accusées de sorcellerie? Le film ne dit jamais - il se termine simplement sur cette image. Peu importe qui sont ces femmes, cependant, elles rappellent que bien que le récit incarne les sexes masculins et féminins en seulement deux personnes, le monde est rempli de femmes (tout comme il est également rempli d'hommes). Pour quelqu'un qui a été si profondément victime d'une femme qu'il aimait, cela doit être une perspective terrifiante.

Hausu

1977 Hausu est pratiquement un défilé de moments oniriques et inexplicables du début à la fin. Basé en partie sur des cauchemars réels rapportés par le réalisateurNobuhiko ÔbayashiLa jeune fille d 'elle suit un groupe d' écolières visitant une maison hantée alors que des forces étranges les arrachent une par une. L'un est mangé par un piano à queue, un autre disparaît au milieu d'un tas de matelas tombés, etc. La partie la plus inexplicable de l'histoire, cependant, est ce qui arrive à Gorgeous, la nièce de la vieille femme propriétaire de la maison. Elle se maquille dans une vanité à l'étage lorsqu'elle est dépassée par les flammes. Elle ne brûle pas spontanément, exactement. Elle n'est pas autant consumée par les flammes que son visage et son corps se brisent pour révéler des flammes en dessous. Quand nous la revoyons, elle a apparemment pris le rôle de sa tante en tant qu'épouse démoniaque qui incarne l'esprit maléfique de la maison. En fait, elle est la seule qui semble vivante à la fin, même si elle est vraiment vivante et si elle est vraiment encore elle-même sont laissées dans le doute.

Si vous prêtez attention aux thèmes du film, tout cela a du sens. La présence démoniaque dans la maison est alimentée par la misère et l'envie des autres femmes. Comme sa tante, qui a perdu son fiancé pendant la guerre alors qu'elle regardait toutes les femmes autour d'elle se marier, Gorgeous est également profondément triste et très jalouse. Elle pleure toujours sa défunte mère et déteste immédiatement la nouvelle petite amie de son père. Ce feu qui apparaît dans Gorgeous est la flamme des émotions négatives qui alimentent la maison. Elle est destinée à devenir sa nouvelle maîtresse, remplaçant sa tante âgée. En fait, c'est pourquoi elle et ses amis ont été appelés à la maison en premier lieu: afin qu'elle puisse le reprendre (ou cela pourrait la reprendre, si vous préférez) tandis que ses amis pourraient être la nourriture qui alimente la transition.



Eraserhead

Peut-être le moment le plus étrange du très étrange premier long métrage de David Lynch de 1977 Eraserhead est le début de la séquence qui donne son nom au film. Après s'être couché avec son voisin attrayant, le protagoniste Henry Spencer (Jack Nance) se retrouve dans le genre d'espace rideau des coulisses à la réalité auquel Lynch reviendrait des années plus tard. Pics jumeaux. Alors qu'il se cache dans un coin, quelque chose d'inattendu se produit: sa tête se détache et tombe au sol. Une autre tête plus petite est révélée en dessous, ressemblant à l'enfant mutant déformé de Henry. Sa tête humaine détachée jaillit du sang jusqu'à ce qu'il tombe sur le trottoir à l'extérieur, où il se fissure pour révéler son cerveau. Un petit garçon attrape la tête et l'emmène dans une fabrique de crayons, où le cerveau est utilisé pour fabriquer des gommes à effacer.

Il semble presque facile d'offrir une explication pour cette scène; le film défie toute explication, c'est ainsi que Lynch l'aime. La mutabilité de l'identité est un thème récurrent dans le travail de Lynch, cependant, et la perte de tête et de visage de Henry implique que qui il est, ou pense qu'il est, n'a pas d'importance dans le contexte du monde du film d'horreur sexuelle et reproductive. Le fait que son cerveau soit la matière première à partir de laquelle les gommes sont fabriquées semble indiquer la tendance humaine à refuser de penser à nos expériences les plus horribles, simplement en `` effaçant '' les pensées négatives et les expériences de l'esprit.

l'échelle de Jacob

Jacob (Tim Robbins), le protagoniste titulaire du film d'Adrian Lyne de 1990 l'échelle de Jacob, est un vétéran du Vietnam essayant de garder sa vie ensemble en 1975 à Brooklyn tout en faisant face aux visions et à ce qui semble être des rencontres surnaturelles d'une variété distinctement démoniaque. Ses expériences bizarres culminent lors d'un voyage dans un horrible hôpital délabré rempli de personnes déformées, folles et mutilées, et des tas de membres coupés jonchent le sol. Il est retenu alors qu'il lutte pour comprendre ce qui se passe, puis un médecin sans yeux (sans orbite, même!) Injecte une aiguille hypodermique directement au milieu de son front.

Il n'y a aucun moyen que cet hôpital puisse exister, et il est certainement peu probable qu'une personne née sans yeux puisse être médecin. Alors qu'est-ce qui se passe ici? Est-il en train d'halluciner à cause de son traumatisme de guerre et des expériences médicales qui auraient pu être effectuées sur lui là-bas? Pas exactement, car la chose la plus importante qui soit arrivée à Jacob au Vietnam, c'est qu'il est mort. Le monde dans lequel il existe tout au long du film peut d'abord ressembler à l'enfer, mais il est encore plus complexe que cela. Les monstres qu'il voit ne représentent pas le monde souterrain, ils représentent les horreurs du royaume terrestre, qu'il ne semble pas laisser derrière lui. Une fois qu'il accepte qu'il est mort, les images horribles disparaissent et il est libre de monter au ciel sur l'échelle qui porte son nom.

Le brillant

Stephen Kingle roman de Le brillant parle d'un grand hôtel plein de fantômes, et le livre lui-même est plein des histoires de ces fantômes - qui ils sont et pourquoi ils hantent l'hôtel Overlook. Pour l'adaptation du film de 1980, le réalisateur Stanley Kubrick a choisi de laisser de côté la plupart des histoires d'origine des fantômes, en se concentrant plutôt sur l'horreur visuelle et les effets psychologiques sur la famille Torrance. De tous les obsessions inexplicables vues dans le film, de loin le plus étrange est un moment où Wendy Torrance (Shelley Duvall) monte des escaliers et voit une porte ouverte dans le couloir. Dans la pièce, un homme en smoking est allongé sur le lit, tandis qu'une silhouette en costume animal grotesque se penche sur lui. Puis l'homme et la bête regardent tous les deux par la porte et voient Wendy, la faisant fuir avec horreur.

Le duo n'est jamais identifié dans le film, mais en se référant au roman de King, il est clair que l'homme dans le smoking est Horace M. Derwent, ancien propriétaire de l'Overlook. Dans le costume animal est un homme nommé Roger, qui était amoureux de Derwent. Le propriétaire de l'hôtel débauché a demandé à Roger de s'habiller en costume de chien et de lui faire des tours humiliants au bal masqué. Le costume dans le film ne ressemble pas particulièrement à un chien (beaucoup de gens le désignent comme un ours), mais l'analogue du roman est toujours clair, car il n'y a pas d'autre fourrure dans Le brillant.

Autoroute perdue

Si Eraserhead aborde la fascination de David Lynch pour la mutabilité de l'identité, son film de 1997Autoroute perdue tourne autour d'elle. Le film commence avec Fred Madison (Bill Pullman), qui craint que son épouse Renée (Patricia Arquette) soit infidèle. Après avoir rencontré un homme mystérieux étrange et sinistre (Robert Blake), Fred assassine Renée et est arrêté. C'est alors que les choses deviennent vraiment étranges. Dans sa cellule de prison, Fred Madison se transforme en un homme complètement différent, Pete Dayton (Balthazar Getty). Dayton a ensuite sa propre histoire, y compris une romance condamnée avec une actrice de cinéma pour adultes nommée Alice (également jouée par Patricia Arquette). En fin de compte, Alice montre clairement à Pete qu'il ne peut jamais la posséder, et Pete redevient Fred.

retour vers le futur 2 prédictions

Alors pourquoi le protagoniste se transforme-t-il soudainement en un personnage complètement différent, joué par un acteur différent, au milieu du film? Alors que Lynch n'expliquera jamais rien lui-même, la transformation semble liée aux insécurités de Fred. Fred est un musicien d'âge moyen avec une femme plus jeune qu'il craint de ne pas pouvoir satisfaire. En tant que Pete, il est plus jeune et plus viril, un mécanicien qui dégage un charisme dangereux. En fin de compte, cependant, Pete ne peut pas posséder Renée / Alice plus que Fred, ce qui déclenche son retour à sa forme d'origine. Que cela soit censé se produire objectivement ou simplement dans la tête de Fred est une question ouverte, comme c'est le cas pour beaucoup de films de David Lynch.

États modifiés

Le film de Ken Russell en 1980États modifiés est tout aussi hallucinatoire que son nom l'indique. Sous l'influence de plusieurs drogues (notamment un champignon mexicain fictif), le protagoniste Eddie Jessup (William Hurt) passe une grande partie du film à avoir des visions surréalistes qui conduisent ensuite à des transformations horribles. La plupart de ces visions se rapportent directement à l'intrigue d'une manière facile à discerner - le père mourant d'Eddie, son ex-femme (Blair Brown) en lézard, des trucs comme ça - mais l'une des images les plus mémorables du film n'est jamais expliquée. Il est logique qu'Eddie, obsédé comme il l'est par l'imagerie religieuse, ait des visions du Christ sur la croix. La question est, pourquoi ce Christ a-t-il une tête de bélier aux yeux multiples et aux cornes multiples?

La réponse à cela n'est pas du tout incluse dans le film, mais elle est expliquée dans la Bible. Cette imagerie provient directement du livre de l'Apocalypse, en particulier du chapitre 5, verset 6: «Puis j'ai vu un Agneau, comme s'il avait été tué, debout au centre du trône, entouré par les quatre créatures vivantes et les anciens. L'Agneau avait sept cornes et sept yeux, qui sont les sept esprits de Dieu envoyés sur toute la terre. Effectivement, si vous regardez de près, la créature du film a en effet sept cornes et sept yeux. Donc, bien que la vision bizarre puisse sembler satanique à première vue et qu'elle soit vraiment effrayante, c'est en fait une représentation littérale d'une image qui représente le Christ en premier lieu.

Possession

Possession, le film français de 1981 réalisé par Andrzej Zulawski, est sans doute moins d'horreur que le drame psychologique, se concentrant sur le divorce d'Anna (Isabelle Adjani) et de Mark (Sam Neill). Au moins, il aurait être un drame sur le divorce, sauf pour révéler qu'Anna garde un monstre tentacule dans sa chambre et fait l'amour avec lui. Cela seul pousse Possession non seulement dans le domaine de l'horreur surréaliste, mais aussi à l'extrême pointe de ce genre. C'est une tournure si étrange qu'elle domine les souvenirs culturels du film.

Alors, quelle est cette chose? D'où cela venait-il et comment Anna en était-elle venue à être si amicale avec ça? La vraie réponse est que ce n'est pas le genre de film sur lequel vous pouvez poser ce genre de questions. Le monstre tentacule n'est pas une créature biologique qui existe dans une réalité objective. C'est une manifestation physique des désirs sexuels d'Anna et de la honte qu'elle ressent pour eux. Au fur et à mesure que le film avance, il évolue dans le sosie de Mark, tout comme sa nouvelle passion, Helen (également jouée par Isabelle Adjani), est le sosie d'Anna. En ce sens, le film est un peu similaire à Autoroute perdue, mais avec moins de voitures et plus de tentacules. Le but du monstre tentacule est à quel point il a l'air grossier et combien il est troublant de le voir enroulé autour du corps d'Adjani. Toutes les questions sur ce qui se passe viennent après la réponse viscérale que vous avez.

Pontypool

Pontypool s'inscrit dans le genre zombie, mais l'amène dans une direction radicalement nouvelle construite sur des idées totalement uniques. Situé dans une station de radio parlée dans une petite ville canadienne, le film indépendant de 2008 de Bruce McDonald traite d'un virus qui se développe en anglais. Certains mots sont infectés et ceux qui les disent risquent de devenir des prédateurs insensés qui répètent les mots et les sons qu'ils entendent. Les personnages principaux sont le choc radio Grant Mazzy (Stephen McHattie) et son producteur Sydney Briar (Lisa Houle), qui font de leur mieux pour comprendre ce qui se passe à l'intérieur de la station de radio qu'ils ne peuvent pas quitter.

À la fin du film, Grant et Sydney ont compris que l'infection se produit au moment où l'esprit comprend le sens d'un mot infecté, et que la seule façon de le combattre est d'abandonner le sens des mots et de se convaincre qu'ils dire d'autres choses. Cela conduit à une scène finale, placée après le générique, où Grant et Sydney semblent être quelque part en Asie. Ils ont une brève discussion, mais rien de ce qu'ils disent n'a de sens. Où sont-elles? Comment ont-ils échappé à Pontypool? Ont-ils perdu la raison?

La réponse réside dans l'abandon du sens. Ce n'est pas seulement le langue Anglaise qui a perdu tout sens face à cette infection mortelle - le langage de la narration filmique a également été dépourvu de sens. La scène finale de Pontypool n'a pas de sens car la notion de «sens» est devenue dangereuse. Cela constitue une excellente illustration du fait que toutes les scènes déroutantes ne peuvent pas être expliquées. Parfois, la confusion est une partie nécessaire de l'expérience de regarder un film, et il vaut mieux simplement se délecter.