Les films les plus inquiétants de la dernière décennie

Par Patrick Phillips/26 novembre 2019 11 h 44 HAE

Lorsque les livres d'histoire sont écrits, il y a fort à parier que les années 2010 seront l'une des grandes périodes de tous les temps pour le cinéma. Cela reste vrai même si nous continuons à débattre de la définition réelle du mot. Mais même si les décennies 2010 ont été fortes pour les films, elles ont été particulièrement bon pour les films conçus pour rendre les téléspectateurs mal à l'aise.

Appelez-les films d'horreur, ou thrillers, ou drames psychologiques avec des nuances socio-sexuelles - les films qui ont apporté la folie et la menace au cours de la dernière décennie l'ont fait avec une perspicacité et un talent sans précédent. En tant que tel, il ne semble guère juste de tenter de rassembler une seule liste des meilleurs et des plus sombres de la décennie, mais c'est exactement ce que nous avons fait ici. Des lianes de science-fiction incroyablement non conventionnelles aux histoires tordues de possession démoniaque, nous avons un petit quelque chose pour ébranler même les plus avertis des cinéastes adorateurs de chocs. Ce sont les films les plus inquiétants de la dernière décennie.



Sous la peau (2014)

Si vous êtes entré dans le trou du lapin bouleversant qu'est l'œuvre vidéo de Jonathan Glazer, vous savez déjà que le réalisateur a un penchant particulier à repousser les limites avec des images troublantes et des tons inquiétants. On pourrait même dire que Glazer se délecte de la stupéfaction que peu de réalisateurs osent. Il est donc naturel qu'il continue à tisser des images difficiles et des thèmes troublants dans ses longs métrages.

Peu diraient que Glazer n'a pas déjà testé de sérieuses limites avec le drame du crime brûlant des années 2000 Bête sexy et le mystère psychosexuel de 2004 Naissance, mais aucun de ces films ne pourrait même commencer à nous préparer à quel point Glazer pousserait les choses avec 2013 Sous la peau.

C'est une attaque complète des sens depuis ses premiers moments jusqu'au dernier. Il présente une performance révélatrice de Scarlett Johansson c'est à peu près aussi loin de la MCU que vous pouvez obtenir. Et qu'il y a une scène à mi-chemin dans ce film qui est si troublante que vous aurez du mal à ne pas l'éteindre. Continuez à regarder, car même si Sous la peau se sent souvent comme un film que vous survivez plus que de regarder, franchir la ligne d'arrivée de cette odyssée extraterrestre est également l'une des expériences cinématographiques les plus gratifiantes que vous espériez jamais endurer.



Entrez dans le vide (2010)

Le cinéaste argentin Gaspar Noé s'est fait une réputation au fil des ans. Plus que n'importe quel autre réalisateur avec un film sur cette liste, Noé en a fait sa quête personnelle de choquer et de provoquer. Il a brisé les esprits et poussé les téléspectateurs à la limite avec le récit inversé hyper-violent et émotionnellement punissant de 2002 Irréversible, mais il semble qu'il avait un autre type de voyage de tête en tête pour sa troisième offrande, le drame pseudo-après-vie hallucinant de 2009 Entrez dans le vide.

Noé ouvre l'action avec un expatrié français trafiquant de drogue avec un penchant pour les hallucinogènes sauvages qui se termine dans un bar de Tokyo. À la mort, son âme est libérée de son corps et serpente à travers le film avec un objectif inconnu en tête. Noé capture chaque moment sinistre de l'après-vie de l'âme en mode POV, sa caméra flottant dans et hors des moments, des souvenirs et des molécules comme un spectre omnipotent. Et oui, cette approche audacieusement stylistique est aussi brillante et immersive à couper le souffle qu'elle est obstinément déconcertante, avec Noé prenant son appareil photo / personnage dans des endroits que l'on pourrait souhaiter qu'ils n'aient jamais été. Le résultat est un film aussi étrangement apaisant et stimulant que vif et contradictoire - sans parler de l'originalité ahurissante de tout film produit au cours de la dernière décennie.

Le Babadook (2014)

Lorsque le réalisateur de l'un des plus grands films d'horreur de l'histoire du cinéma prétend que votre film est le film le plus effrayant qu'il ait jamais vu, vous savez que vous avez fait quelque chose de spécial. C'est ainsi que lorsque le légendaire William Friedkin - l'homme derrièreL'Exorciste - a commencé à dire aux gens que le film indépendant de Jennifer Kent en 2014 Le Babadook'vous fera peur,', eh bien, les amateurs de genre du monde l'ont immédiatement remarqué.



Friedkin ne mentait pas. Possédant un sens singulier de l'étrange, Le Babadook raconte l'histoire d'une mère célibataire qui lutte pour élever un fils aux prises avec de graves problèmes émotionnels. Bien sûr, étant donné que le mari de la femme est décédée en route vers la naissance de l'enfant, il est clair que la mère et le fils ont des problèmes profondément enracinés à résoudre, des problèmes qui compliquent encore leur vie lorsqu'un horrible livre pour enfants intitulé Monsieur Babadook apparaît dans leur maison.

Alors que Kent commence lentement à dérouler son fluage impie, un récit surprenant commence à prendre forme - un récit qui explore avec perspicacité les thèmes émotionnels lourds de la survie au traumatisme et les difficultés d'être un parent seul avec un cas de dépression dévastateur et implacable. Comme ça arrive, Le Babadook est également un film monstre de premier ordre avec des peurs plus authentiques que votre tarif de genre moyen. Oui, Le Babadook «effrayera l'enfer hors de vous», mais cela laissera votre cœur dans votre gorge aussi.

Héréditaire (2018)

Selon l'écrivain-réalisateur Ari Aster, son choc brutaliste de 2018 Héréditaire est vraiment juste un petit drame familial à la base. Mais c'est un peu comme appeler Mâchoires une charmante histoire de poissons hors de l'eau. Alors oui, alors que nous ne pouvons vraiment pas affirmer que Héréditaire n'est pas un drame familial, nous voulons aussi être clair que Héréditaire n'est pas juste un drame familial.

Toujours fidèle à la déclaration d'Aster, Héréditaire se présente d'abord comme une sorte de drame indie atypique sur une famille en deuil. Au fur et à mesure que le film se déroule, un passé profond et sombre commence à remonter à la surface, et Héréditaire spirales étourdies dans un cauchemar surnaturel battant le pouls, il suffit de voir pour croire. Sachez simplement que vous ne pourrez jamais perdre Héréditaire.

Au cas où vous ne l'auriez pas vécu par vous-même, nous dirons simplement que vous connaîtrez le moment précis où Aster bascule le passage proverbial du drame familial à la tragédie familiale à part entière. Vous le saurez car le moment où cela se produit est facilement l'un des plus choquants de l'histoire du cinéma. Aster se réchauffe à ce moment-là, etHéréditaire est sur le point de devenir plus sombre et plus lourd d'une manière que vous ne pouvez tout simplement pas comprendre. C'est une affaire brutale et épuisante, mais si vous parvenez à rester avec Héréditaire, vous témoignerez non seulement d'un des grands films d'horreur de la décennie, mais de tous les temps.

Mi-été (2019)

Avec Ari Aster's Héréditaire élevant immédiatement la barre pour les cinéastes de genre jeunes et vieux, il semblait peu probable que quiconque atteigne le sommet du film en termes de valeur de choc sans faille et de roulement de tête dans un avenir prévisible. Il semble que la seule personne capable de s'en approcher était Aster lui-même. Tandis que Midsummer peut ne pas correspondre tout à fait Héréditaire en termes de chocs et de peurs, ce pourrait bien être le meilleur film en termes d'impact émotionnel écrasant l'âme et d'énergie impitoyablement sinistre.

Bien sûr, entendre Aster le dire, Midsummer est un «film de rupture» relativement simple. Croyez-nous quand nous disons que Midsummer est un «film de rupture» de la même manière que Héréditaire est un «drame familial». Ce qui signifie que ce n'est pas du tout un film de rupture.

La relation en question appartient à Dani (Florence Pugh) et Christian (Jack Reynor), et si jamais il y avait un couple qui avait besoin d'une rupture, ce sont eux. Mais rien n'est jamais aussi simple dans les mondes d'Ari Aster et des moments d'ouverture tortueux de Midsummer, le réalisateur est prêt à tourner les vis de la relation condamnée de la paire de manière de plus en plus tordue. Au moment où le couple et leurs amis se rendent au festival suédois titulaire, le destin est effectivement scellé - bien que rien ne puisse même vous préparer à distance pour le sanglant gâchis ensoleillé qu'Aster a en réserve pour le reste du film.

Mélancolie (2011)

Comme plusieurs cinéastes avec des films effrayants sur cette liste, Lars von Trier a acquis une certaine réputation pour faire des films sans confrontation sans vergogne qui ont tendance à être assez difficiles à regarder. Au fil des ans, von Trier et ses films ont été étiquetés par de nombreux fans et détracteurs. Que vous aimiez ou détestiez son approche combative vivifiante (bien que souvent audacieusement rafraîchissante et incroyablement belle) du cinéma, le label le plus d'accord peut convenir que les murs des films de Lars von Trier sont généralement tapissés d'une couche caustique de nihilisme. Son drame de science-fiction de 2011 Mélancolie trouve le réalisateur à son plus nihiliste, mais aussi à sa hauteur stylistique.

Le film suit une paire de sœurs (meilleure œuvre de carrière de Kirsten Dunst et Charlotte Gainsbourg), chacune luttant pour garder sa vie ensemble, même si l'humanité a récemment été informée qu'une grande planète bleue est sur une trajectoire de collision avec la Terre, et la le monde cessera bientôt d'exister. Séparé en chapitres, Mélancolie s'ouvre sur l'un des mariages les plus tristes jamais commis au cinéma. Cela se termine avec l'effacement de la Terre. Les moments intermédiaires offrent des aperçus de moments de félicité avant le destin amoureusement conçus, et des explorations tout aussi austères de la vie des sœurs une fois qu'elles apprennent que la fin est proche. Quelque part dans le mélange, von Trier livre un drame apocalyptique somptueusement photographié mais émotionnellement drainant, aussi difficile à regarder qu'à regarder ailleurs.

Sinistre (2012)

Avant de diriger les 2016 Docteur étrange, Scott Derrickson a passé la décennie avant de se faire un nom parmi les amateurs de genre. Il a attiré notre attention avec le drame de possession de 2005 L'Exorcisme d'Emily Rose, mais c'était en 2012 Sinistre cela a fait de Derrickson un puriste de l'horreur de premier ordre. Bien que trop de personnes aient dormi Sinistre à sa sortie, c'est toujours l'un des thrillers les plus efficaces que vous verrez jamais - même s'il s'appuie certes un peu trop souvent sur les tropes d'horreur classiques.

Le film suit l'histoire d'un auteur délictuel du crime (le toujours grand Ethan Hawke) qui emmène sa famille dans une maison où un crime macabre a eu lieu afin qu'il puisse rechercher les événements de près et personnels. Malheureusement, quand il trouve une vieille boîte de films à priser Super 8 dans son grenier, eh bien, l'homme et sa famille se rapprochent un peu plus de la vérité que quiconque aurait voulu.

Soyez averti que ces films 8 mm vous coûteront probablement quelques nuits de sommeil. Mais ce n'est qu'une petite partie de ce qui fait Sinistre un tel plaisir au cœur noir. Le film est à son meilleur lorsqu'il se vautre dans des tons inquiétants et des images gothiques granuleuses, et Derrickson tire le meilleur parti de SinistreL'aura menaçante, prenant un plaisir pervers dans l'approche lente du film et retirant le tapis taché de sang des téléspectateurs dans une finale qui vous fera jeter un coup d'œil à travers vos paumes moites dans une peur sans entraves et une anticipation décourageante.

Brut (2016)

Il peut souvent être assez difficile de déchiffrer exactement de quoi il s'agit dans un film qui vous passe sous la peau. Dans le cas du premier long métrage étonnant de Julia Ducournau Brut, c'est un peu plus facile à comprendre, car Ducournau passe essentiellement la totalité de la durée de 100 minutes du film à déclencher un déluge presque constant de sons et d'images et de scénarios qui pourraient potentiellement en déclencher un.

Cela ne veut pas dire Brut est un gorefest de choc d'une minute pour l'autre. Au contraire, en fait, alors que Ducournau adopte une approche résolument ferme de son film, atténuant les chocs à mesure qu'ils arrivent tout en livrant tranquillement un drame universitaire vicieux et sans vergogne sexy qui tourne légitimement le genre sur sa tête.

Nous devons vous dire d'emblée que le film suit les épreuves d'une jeune étudiante qui se retrouve de façon inattendue avec un appétit insatiable pour la chair humaine. Donc même siBrutn'est pas la saignée à laquelle vous pouvez vous attendre d'une telle configuration, une grande partie de l'action est également susceptible de mettre votre estomac sur la tête. Mais au lieu de se délecter d'effets sanglants et de peurs schlocky, Ducourneau adopte une approche humaniste BrutC'est une histoire choquante, utilisant seulement le sang pour soutenir une étude de caractère pleine d'esprit et perspicace qui devient - contre toute attente évidente - un drame de passage à l'âge adulte convaincant (bien que consternant) sur le cannibalisme.

Couleur en amont (2012)

Il y a des cinéastes qui comptent sur les frayeurs et le faux sang pour pénétrer sous la peau d'un public, et ceux qui croient que l'imagerie austère, les connotations inquiétantes et l'illusion du sinistre sont tout aussi efficaces. Shane Carruth est de la dernière école, et Couleur en amont plus que le prouve.

Maintenant, nous n'allons pas vous ennuyer en essayant d'expliquer ce Couleur en amont est sur le point, ne serait-ce que parce que des articles de thèse entiers pourraient être écrits sur ce sujet particulièrement glissant. Si nous sommes complètement honnêtes, nous offririons cela Couleur en amont est un film moins préoccupé par ce qu'il en est que par ce qu'il peut vous faire ressentir - et il n'y a apparemment pas de fin à ce que Carruth peut réaliser sur ce front particulier.

À ce stade, nous dirons simplement que le film suit une femme (la brillante Amy Seimetz) qui - après avoir été hypnotisée par un parasite par un voleur et avoir été pillée toute sa vie - se retrouve avec un avenir ruiné et aucun souvenir de ce qui s'est passé. Elle rencontre un homme (joué par Carruth) avec une histoire similaire, et alors qu'ils tentent vainement de reconstituer leurs misères individuelles, ils tombent sur une vérité au-delà de l'imagination. Ce qui suit n'est rien de moins qu'un assaut cinématographique profondément paranoïaque sur les sens qui doit simplement être vécu pour être cru. Il suffit de savoir Couleur en amont est une expérience décidément énervante qui vous fera vous gratter la tête pendant des jours, des mois, voire des années après le générique.

Hagazussa (2019)

Situé dans une région montagneuse isolée d'Europe vers le XVe siècle, le cauchemar gothique de Lukas FeigelfeldHagazussa se propulse vers l'avant à un clip sous-glaciaire qui semblerait certainement orienté vers l'imitation du rythme de vie dans une telle région. Alors que le film réussit parfaitement à capturer le rythme lent de la vie dans les collines, Feigelfeld utilise également ce rythme pour lancer une sorte de sort hypnotique sur les téléspectateurs.

Cela ne sera pas brisé avant les derniers instants du film. En route vers ce qui est au-delà de la finale brutale, Feigelfeld débouche un conte folklorique noir sur une femme célibataire au passé païen essayant de survivre dans le désert et d'élever sa petite fille dans une paix relative. Bien sûr, lorsque vos voisins vivent dans la peur constante de la magie, des esprits et de la sorcellerie, le monde naturel est loin de votre ennemi le plus dangereux.

Alimenté par un sentiment de calme et paranoïaque implacable et suffisamment d'images gothiques pour effrayer Mary Shelley, Hagazussa se révèle une tranche singulièrement sinistre du cinéma de genre. Bien qu'il soit certain de tester la patience de ceux qui cherchent à assouvir leur soif de sang avec des peurs schlocky, Feigelfeld abat le marteau avec une telle force viscérale HagazussaLe dernier acte du film est que le film ne manquera pas de hanter les esprits de tous les téléspectateurs qui le feront jusqu'à la fin pour les années à venir.

Pur-sang (2018)

Si l'histoire nous a appris quelque chose, c'est qu'Hollywood aime une bonne histoire de jeunes rebelles et fouettés qui se déchaînent généralement. Alors que les classiques comme Rebelle sans cause, Une orange mécanique, et Spring Breakers ont gardé la barre pour un tel prix élevé perpétuellement élevé au fil des ans, Corey Finley Pur-sang prouve qu'il y a encore de la place pour l'un des sous-genres préférés du cinéma - même s'il est clairement destiné à s'assombrir de nos jours.

Au centre de la dramatique noire de Finley se trouve une paire d'adolescents du Connecticut à croûte supérieure qui existent aux extrémités opposées du spectre émotionnel. Lily (Anya Taylor-Joy) ressent tout trop fort, tandis qu'Amanda (Olivia Cooke) est incapable de ressentir quoi que ce soit. Lorsque les amis séparés sont réunis dans le récit de Finley, ils découvrent qu'ils perdent chacun le contrôle de leur vie et sont uniquement équipés pour s'entraider.

Cette aide a un coût, car le coup unique des filles à la libération implique un plan sournoisement violent. Pendant qu'il propulse Pur-sang'narrative en avant, ce n'est guère le point focal du film, avec Finley à la place pour l'utiliser pour créer une étude de personnage pénétrante sur une paire de jeunes esprits brillants mais tragiquement fracturés.

Les yeux de ma mère (2016)

Les films d'horreur sont essentiellement conçus pour emmener le public dans les coins sombres du monde et leur montrer les choses indicibles qui ont tendance à s'y produire. Parfois, ce coin sombre est un lieu physique (voir Le massacre à la tronçonneuse du Texas). D'autres fois, c'est une place dans l'esprit (voir La cellule). Les débuts macabres de Nicholas Pesce Les yeux de ma mère est le cas rare où l'esprit et le lieu convergent pour explorer l'un des coins les plus sombres jamais capturés sur film.

Les yeux de ma mère ne démarre pas de cette façon. En fait, les moments d'ouverture du film sont étonnamment sereins, avec une fille et sa famille vivant dans une paix relative dans une ferme isolée. Mais Pesce prend un marteau à cette vie idyllique au début de l'action. Quand il le fait, Les yeux de ma mère s'assombrit d'une manière que les mots ne peuvent tout simplement pas transmettre - des moyens qui garantissent que le film restera gravé dans votre cerveau pour l'éternité.

Nous parions que vous avez entendu des chuchotements sur les représentations vives du film de violence, de torture et de sang. Alors que le film (tourné en noir et blanc époustouflant) est inébranlable dans sa représentation de tels actes, les actes les plus horribles ont tendance à se produire hors écran - bien que cela ne fasse qu'accentuer les réactions des téléspectateurs. Pesce approfondit davantage l'obscurité en utilisant la beauté fragile et sans émotion de la star Kika Magalhães contre les téléspectateurs au service de tourner Les yeux de ma mère dans une étude de personnage perçant sur les traumatismes et la solitude dévorante d'âme.

La fille du manteau noir (2015)

En parlant de solitude écrasante, c'est le principal coupable au travail chez Oz Perkins (fils de Psycho's Anthony) film de possession sans relâche sombre La fille du manteau noir. Cela étant dit, il y a une mystérieuse force maléfique dans le film qui peut ou non avoir revendiqué l'âme deLa fille du manteau noir personnage central et l'a forcée à commettre des actes de violence déraisonnables.

Les démons et les possessions mis à part, la solitude et l'isolement sont vraiment les forces motrices en jeu dans La fille du manteau noir. Le film se déroule en grande partie sur le terrain d'une école catholique pour filles, quelque part dans le nord lointain. Lorsque deux des filles (Kiernan Shipka et Lucy Boynton) y sont bloquées pendant les vacances d'hiver (l'une croyant qu'une calamité certaine est arrivée à ses parents, l'autre face à un choix difficile), les choses deviennent bizarres très rapidement avec la plus jeune fille apparemment étant possédé par une présence démoniaque invisible.

Pendant ce temps, un récit parallèle trouve un couple en deuil ramassant une jeune femme désespérée (Emma Roberts) à un arrêt de bus, ne sachant pas qu'elle est une malade mentale en fuite. Ces récits finiront par converger de façon méchamment intelligente et avec un effet déchirant. Perkins contrôle l'action à chaque étape du processus avec une main ferme et une vision singulière, créant un sentiment de terreur étouffante dans chaque image du film. Ce faisant, il livre une tragédie surnaturelle profondément humaniste et l'un des films de possession les plus sombres que nous ayons jamais vus.

mère! (2017)

Il y a une augmentation générale de la mise intégrée dans le cadre narratif de la plupart des films d'horreur, car lesdits films nécessitent que l'action devienne plus sanglante et plus brutale simplement pour augmenter les enjeux pour les personnages pris au piège. Darren Aronofskyc'est mère! est un film d'horreur tellement absorbé par le concept de montée en puissance qu'il s'effondre presque sur lui-même au service de son ambition narrative téméraire.

Bien qu'il y ait un sentiment de malaise palpable à travers le film et des moments manifestement horribles tout au long, il est probablement un peu injuste d'étiqueter mère! un film d'horreur. Si nous sommes complètement honnêtes, mautre! ne rentre pas parfaitement dans un seul genre - car il n'y a jamais eu vraiment de film comme ça auparavant, et nous ne savons toujours pas comment Aronofsky a réussi à faire un spectacle aussi effronté.

Nous sommes heureux qu'il l'ait fait, cependant, parce que l'histoire frénétique d'Aronofsky de l'existence idyllique d'un couple démoli par des événements de plus en plus bizarres du monde extérieur est à peu près autant de plaisir diaboliquement gonzo que vous pouvez avoir dans un film provoquant la panique. Même si nous nous attendons à un certain niveau de pression sur les boutons d'Aronofsky au fil des ans, mère! trouve le réalisateur repousser les limites plus que jamais. Ce faisant, il a conçu une allégorie cinématographique déchirante, contrairement à tous les films antérieurs ... et probablement tout ce qui viendra après.

Nightcrawler (2014)

Parfois, ce n'est pas tant l'histoire racontée par un film qui décourage davantage que les personnages qui la peuplent. Si vous avez déjà vu la satire brûlante du cycle d'actualités de Dan Gilroy Somnambule, vous savez très bien que Lou Bloom est l'un de ces personnages. Vous savez également que la raison pour laquelle le personnage (et le film lui-même) est si troublant est à cause d'une énergie horriblement abrasive Jake Gyllenhaal apporte au rôle.

Bien que le travail de Gyllenhaal dans Somnambule a été ignoré par l'Académie, son tour comme Lou Bloom moralement vide reste non seulement l'une des meilleures performances de cette année, mais de sa carrière louée. Somnambule pourrait bien être le meilleur film dans lequel l'acteur ait jamais joué - bien qu'il soit sans aucun doute le plus intrinsèquement dérangeant.

À la surface, Somnambule est un réquisitoire relativement simple du mantra «ça saigne, ça mène» qui a eu tendance à dominer le cycle médiatique ces dernières années. Le film se déroule dans le ventre miteux de Los Angeles et trouve Bloom de Gyllenhaal tentant de se faire un nom dans le monde du journalisme criminel indépendant. En route vers son ascension fulgurante vers l'infamie, Bloom commence perversement à éliminer la ligne entre le témoin oculaire de la tragédie et le participant volontaire. Soutenu par l'écriture crépitante et la direction de Gilroy, le travail ravissant de Gyllenhaal sans âme alors que Bloom se transforme Somnambule de la satire à un spectacle effrayant sur un vampire moderne avec un goût très troublant pour le sang à la caméra.

Le démon néon (2016)

Avant de commencer la production sur The Neon Demon, son 10e long métrage, le cinéaste danois Nicolas Winding Refn s'était déjà imposé comme un provocateur cinématographique élégant au même niveau que ses collègues agitateurs Lars von Trier et Gaspar Noé. Avec des films stylisés comme Pousseur, Conduire, et Seul Dieu pardonne, il s'était également distingué de ses frères en tant que cinéaste complètement obsédé par les drames de pâte minable habillés de visuels saisissants et baignés de néons. Bien qu'il reste un film source de division, même parmi les fans de Refn, The Neon Demon est essentiellement l'aboutissement de tout ce qui a fait de Refn une force artistique aussi intrigante.

Curieusement, The Neon Demon présente également l'une des configurations les moins convaincantes de Refn: une jolie jeune femme déménage à Los Angeles dans l'espoir de devenir mannequin. La méchanceté Refn tourne à partir de cette configuration simpliste n'est rien de moins que le génie du genre, avec la ville et tous les obsédés par le sexe et la beauté qui la dirigent se régalant littéralement de la vitalité juvénile de la femme impétueuse alors même qu'ils sont poétiques sur ce qu'est vraiment la beauté. Visuellement saisissant, amoureusement fantaisiste et souvent horriblement réaliste, The Neon Demon est fondamentalement tout ce que Nicolas Winding Refn fait bien jusqu'à 11 ans, et que vous l'aimiez ou le détestiez, le film reste l'un des portraits les plus profondément troublants de la culture couture que les films aient jamais présentés.

linda blair exorciste

Nous devons parler de Kevin (2011)

Structurée comme un regard quasi kaléidoscopique sur les tragédies passées et présentes, Lynne Ramsay Nous devons parler de Kevin est un film moins préoccupé par la mécanique et les motivations de l'acte fatidique en son cœur - un massacre dans une école - que par la vie derrière. En tant que tel, le film concentre une grande partie de son énergie narrative sur une mère (Tilda Swinton) et son fils Kevin, qui seront un jour l'architecte de la tragédie impensable.

Le film suit la relation troublée du couple depuis sa naissance et trouve Swinton donnant l'une des plus belles performances de sa carrière de mère qui essaie désespérément d'aimer son fils alors même que ses comportements psychopathes deviennent plus prononcés avec l'âge. C'est un paysage périlleux, avec Ramsay marchant habilement sur la corde raide entre humaniser et diaboliser Kevin alors même que le film s'efforce de trouver un équilibre vers la mère tragique qui a toujours vu le mal en lui.

Alors que le film fait des allers-retours dans le temps, explorant les conséquences de la violence dans un discours égal avec le prélude, un sentiment de terreur bouleversant s'installe, et Nous devons parler de Kevin devient un miroir fracturé conçu pour refléter une maladie austère dévorant le monde qui nous entoure. Sagement, Ramsay n'offre aucun remède et nous laisse au lieu de nous vautrer dans le gâchis que nous - en tant que société - semblons destinés à continuer de nettoyer.