Les films les plus stressants que vous voudrez toujours regarder

Par Patrick Phillips/9 mars 2018 14 h 41 HAE/Mis à jour: 20 mars 2020 17 h 39 HAE

Pour la plupart des gens, aller au cinéma est une forme infaillible de soulagement du stress - qui est spécifiquement destiné à nous distraire de l'agitation de notre propre vie pendant au moins une heure ou deux. Bien sûr, cette stratégie peut parfois se retourner contre vous, car certains films ne vous permettront tout simplement pas d'éteindre votre cerveau et de quitter le monde pendant une seule minute.

Ce n'est pas toujours une mauvaise chose. En fait, certains de nos films préférés ont savouré leur intention de défier nos cœurs, nos esprits et, en fait, notre stabilité émotionnelle. Parfois, ils utilisent des bêtes sauvages pour nous mettre sur nos talons; d'autres fois, c'est un monstre du monde réel ou un scénario troublant qui nous met en difficulté. Quoi qu'il en soit, certains films savent juste comment pousser nos boutons de stress de manière passionnante et inattendue - et nous finissons par les aimer pour cela. Ce sont les films les plus stressants que vous voudrez toujours regarder.



Bug (2006)

Rappelez-vous cette fois où William Friedkin a réalisé l'un des films les plus énervants jamais réalisés et que personne ne semblait s'en soucier? C'était en 2006, le film s'appelait Punaiseet il y a de fortes chances que vous n'en ayez jamais entendu parler. C'est dommage, car non seulement Punaise un film d'horreur psychologique pénétrant et presque parfaitement exécuté, il présente l'une des plus belles performances de la carrière d'Ashley Judd et un tournant décisif du grand Michael Shannon.

Encore, Punaise a volé principalement sous radar pendant plus de dix ans depuis sa sortie, principalement parce que ce n'est guère une affaire de bien-être. La majeure partie du film se déroule dans une chambre d'hôtel miteuse et suit une femme endommagée qui semble être sur le point de prendre un nouveau départ après avoir rencontré un vétérinaire de guerre bienveillant. Bien sûr, ce vétérinaire se révèle être un individu profondément déséquilibré, et ce qui suit est une descente terrifiante dans une illusion partagée entraînée par la paranoïa et le désespoir - une personne qui augmentera certainement votre tension artérielle d'un point ou deux ou 10.

Friedkin maintient l'action tendue tout au long, rendant les procédures encore plus stressantes en utilisant un éclairage expressionniste pour augmenter les humeurs, en tirant sur ses étoiles dans des gros plans invasifs et peu flatteurs, et en présentant une poignée de scènes d'horreur corporelle qui feraient grincer des dents David Cronenberg. Punaise est essentiellement l'équivalent cinématographique de toucher un nerf brut pendant quelques heures, mais cela en vaut la peine - et vous voudrez toujours regarder.



Sept (1995)

Quand Sept fait son chemin vers les théâtres à l'automne 1995, le monde n'était tout simplement pas prêt pour sa moralité macabre ou le scénario sans relâche sombre qui accompagnait ce récit out-to-shock, et il n'était certainement pas prêt à voir ce récit comme un miroir de ses excès moraux et sociétaux. Non, le monde n'était pas prêt pour Septen 1995, mais sacrément si nous ne nous sommes toujours pas alignés pour faire un tour dans la symphonie des douleurs de David Fincher.

C'est un peu surprenant vu Sept s'ouvre sur une note manifestement austère et ne devient que plus désolé, désespéré et surtout stressant à chaque moment choquant qui suit. Encore,Septest si méticuleusement construit, exécuté de manière obsessionnelle et habilement joué (le film est un point culminant à la fois pour Brad Pitt et Morgan Freeman) que - même à son plus horrible - il est presque impossible de ne pas vouloir tout voir se dérouler.

Que ce soit à cause de SeptLa nature obsessionnelle de, parce que nous sommes tous des gloutons pour la punition, ou parce que nous voulons vraiment juste aller au restaurant et prendre une tasse de café avec Morgan Freeman, la fantasia sauvage de la futilité de Fincher reste l'un des films les plus réinscriptibles jamais réalisés. Ce qui signifie également que nous pourrions manquer le point.



Funny Games (1997 ou 2007)

Michael Haneke est l'un de ces cinéastes qui se réjouit de trouver de nouvelles façons de pousser le public à appuyer sur le bouton de panique. Projection de la filmographie de Haneke, c'est comme faire un test de stress psychologique où vous recevez un choc électrique comme récompense et punition pour chaque film que vous avez vu. Autrement dit, aimer le travail de Hanke, c'est admettre ouvertement que vous êtes devenu accro au choc, et c'est en quelque sorte le point du cinéaste.

Quoi que vous pensiez de Haneke, le réalisateur a incontestablement poussé son talent pour nous stresser au bord quand il a amené Jeux drôles aux théâtres. L'histoire tordue du film de deux sociopathes violents et bien éduqués prenant en otage une famille aisée et les torturant sans raison apparente suffit à faire transpirer les sourcils de quiconque a un pouls. Pourtant, comme Jeux drôles se déroule, Haneke augmente le niveau de stress en impliquant fréquemment que le public est complice de la violence parce que c'est nous qui voulons la regarder.

Chaque acte d'accusation vient presque comme un défi de désactiver le film. Que vous le fassiez ou non, Haneke prend toujours plaisir à châtier les téléspectateurs pour en avoir été témoin même une seconde. Tellement, en fait, que lorsque Hollywood a commencé à planifier un remake en anglais, Haneke lui-même signé pour diriger, apparemment étourdi à l'idée de pousser à nouveau ces boutons tendres. Pour être clair, Jeux drôles est tout aussi brutal et impitoyable en anglais qu'en allemand, et nous ne savons toujours pas pourquoi nous nous sommes sentis si obligés de le voir dans les deux.

Mère! (2017)

En parlant de réalisateurs qui aiment pousser nos boutons, saluons M. Darren Aronofsky! Ceux qui se considèrent comme de fervents aronofskyites s'attendent à ce que le cinéaste visionnaire repousse les limites du récit, de l'intellect et, bien souvent, de la morale. Pourtant, rien dansl'œuvre captivante du réalisateur aurait pu préparer le public à l'attentat à la bombe incendiaire qui était l'offre d'Aronofsky en 2017, mère!

Situé dans une maison de campagne tranquille et isolée, le film suit un poète en difficulté (Javier Bardem) et sa jeune épouse (Jennifer Lawrence) alors qu'ils tentent d'écrire et de remodeler. Cette existence paisible est perturbée par l'arrivée d'invités inattendus - et une fois perturbée, les choses deviennent incontrôlables assez rapidement.

Comprenez que par «hors de contrôle», ce que nous voulons réellement dire, c'est «complètement foutu d'une manière qu'aucun être humain rationnel ne peut imaginer». Comme mère! se propulse vers sa finale choquante mais inévitable, les moments qui nous y conduisent s'accompagnent d'une montée constante et fiévreuse de la mise. En tant que tel, regarder mère! est une affaire résolument stressante. C'est aussi épuisant émotionnellement, et cela peut avoir conduit à les problèmes de box-office du film.

Pourtant, si vous êtes prêt à entrermère!Le foyer n'est pas si humble, vous pourriez vous retrouver anxieusement connecté à ce petit film profond et perspicace presque malgré son sujet toxique et éprouvant. Mais pour l'amour du ciel, si vous entrez à l'intérieur, ne vous asseyez pas sur cet évier, car il n'est vraiment pas encore renforcé.

Enterré (2010)

Pendant une grande partie de son début de carrière, l'idée de prendre Ryan Reynolds au sérieux en tant qu'acteur semblait juste risible. A-t-il même essayé d'aller directement avec des films comme L'horreur d'Amityville et Smokin 'Aces, il était difficile d'oublier le type de doof feckless qu'il a joué dans des titres comme van Wilder. Tout cela pour dire que les opinions de nombreux cinéphiles sur Reynolds en tant qu'acteur ont changé à jamais après avoir vu son thriller de micro-budget angoissant en 2010 Enterré.

Amanda Krueger

Qu'est-ce qui est si spécial Enterré, tu demandes? Pour commencer, le film se déroule dans un seul lieu, avec un seul acteur apparaissant à l'écran. L'endroit est un cercueil enterré quelque part dans le désert irakien. Reynolds est le seul acteur - et oui, il est enterré à l'intérieur du cercueil. Ainsi commence l’action de panique de Enterré.

Bien que la panique puisse être un euphémisme. Si vous êtes claustrophobe, assis Enterré c'est un peu comme se soumettre à une crise d'angoisse de 95 minutes. Si vous n'avez pas peur des espaces clos, Enterré est encore un peu comme se soumettre à une crise d'anxiété de 95 minutes. Cela étant dit, si vous osez assez endurer cette terreur claustrophobe, vous serez récompensé par un thriller de premier ordre avec quelques rebondissements intelligents, des commentaires étonnamment perspicaces sur l'état de l'Irak «d'après-guerre», et oui , une performance dramatique impressionnante de Ryan Reynolds, qui ne ricane pas sournoisement ou ne brise même pas le troisième mur.

127 heures (2010)

Il y a souvent une fine ligne entre pas assez et beaucoup trop dans les films. Alors que la plupart des films de cette liste se trompent du côté de trop de toutes les meilleures façons, peu ont repoussé cette limite aussi loin que127 heures. Basé sur l'incroyable histoire vraie d'un alpiniste passionné forcé de se couper le bras après avoir été piégé sous un rocher, le film est une étude poignante sur la volonté inébranlable de vivre d'un homme.

Oui, cette histoire est aussi inspirante que vous le pensez, mais c'est aussi assez stressant - sinon carrément horrible - à regarder. Lorsque le moment est enfin venu de rompre ce membre piégé, le réalisateur Danny Boyle ne s'éloigne pas de l'acte sanglant et salvateur, embrassant plutôt le moment d'une manière qui se rapproche du sentiment d'exploiter le drame de la vie réelle sans pour autant basculer plus dans l'exploitation.

C'est le genre de scène qui donne envie de fermer les yeux et les oreilles et de se recroqueviller en boule jusqu'à la fin. Ce n'est pas seulement stressant, c'est absolument angoissant, mais même pendant que cela se produit, vous vous retrouverez en quelque sorte à vouloir regarder l'action macabre ... parce que la majeure partie du film (mettant en vedette une meilleure performance en carrière de James Franco) est dépensée en chair et en os l'homme derrière l'histoire. Parce que nous nous soucions vraiment de la vie qui est attachée à ce bras, le moment devient plus une célébration de la vie qu'une étude gore, même si elle hante votre mémoire pendant des mois après en avoir été témoin.

Sous la peau (2013)

Parfois, il est difficile de déterminer exactement de quoi il s'agit dans un film qui vous stresse. Dans le cas de Jonathan Glazer Sous la peau, c'est beaucoup plus facile à comprendre, car la réponse est littéralement tout. La photographie, la musique, le théâtre, la conception sonore et le montage du film semblent tous spécifiquement conçus dans le seul but de garder les spectateurs à l'affût pour l'intégralité du film, et c'est exactement ce qu'ils font. Le résultat est un film stimulant et profondément troublant que vous ne regardez pas vraiment autant que vous en faites l'expérience.

Oui, c'est souvent une expérience assez stressante (la scène de la plage à Sous la peauà mi-chemin est tellement pénalisant émotionnellement qu'il est presque physiquement douloureux de s'asseoir), mais c'est aussi profondément engageant. Sous la peau est si méticuleux dans son artifice structurel, ses changements de tons et son ambition narrative que le film hypnotise virtuellement les spectateurs à entrer dans son obscurité oblique alors qu'il examine des sujets complexes d'identité, de morale extraterrestre et de ce que signifie être humain.

Au centre de cette exploration se trouve la performance la plus étrange (et peut-être la plus forte) de la carrière de Scarlett Johansson. Moins on en dit sur cette performance, mieux c'est. Sachez juste que, comme Sous la peau lui-même, cela fonctionne mieux si vous savez le moins possible d'entrer. Sachez aussi que si vous êtes stressé pendant Sous la peau, cela signifie simplement que cela fonctionne.

Ennemi (2013)

Sous la peau n'était pas le seul film de 2013 obsédé par les questions d'identité et de condition humaine. Le thriller double de Denis Villeneuve Ennemi en fait cette année-là dans des eaux existentiellement profondes similaires - seul Villeneuve a adopté une approche nettement plus personnelle du drame. Adapté d'un roman du romancier portugais expérimental José Saramago, Ennemi suit les péripéties d'un homme moyen dont la vie moyenne est bouleversée lorsqu'il repère son double exact dans un film.

Si cette configuration vous semble un peu bizarre, sachez que Saramago ne fait que se réchauffer. Ce qui suit est une étude rigoureuse, stressante et très observée de l'identité et de l'isolement moderne. Celui qui trouve Jake Gyllenhaal en pleine forme jouant des rôles doubles, et Denis Villeneuve commence à taquiner l'audace narrative qui est devenue sa marque de fabrique depuis.

Pour autant que EnnemiLe récit de va, les araignées figurent en bonne place, ce qui signifie qu'il y a une bonne quantité d'angoisse arachnide impliquée dans le regarder. Le film regorge également de toiles métaphoriques qui, plutôt que d'essayer de démêler, Villeneuve cherche à renforcer et à attirer les téléspectateurs plus loin dans le centre collant et mortel. Cette tactique reste vraie jusqu'au dernier moment de panique du film. En tant que tel, Ennemi est l'un de ces films rares qui est assez stressant juste pour regarder, et encore plus après que les crédits ont roulé et que vous êtes coincé à essayer de comprendre ce qui vient de se passer.

La descente (2005)

De nos jours, il devient de plus en plus difficile de faire un grand film d'horreur qui fait vraiment peur aux gens. Ce qui fait de Neil Marshall La descente si spécial est que ce n'est pas seulement un grand film d'horreur - c'est en fait trois, et tous vous feront peur. Le film s'ouvre comme un drame psychologique qui donne à réfléchir et se transforme en un cauchemar spéléo claustrophobe avant de devenir un long métrage de créature pleine de sang et de tripes.

Cela peut sembler qu'il y a un peu trop de choses dans le film, et pour la plupart des films, cela serait probablement vrai. Pas pour La descente, bien que. Alors que le récit de Marshall de six amis en quête de sensations fortes partant pour une expédition de spéléologie condamnée se déroule, le réalisateur ne manque jamais de trouver le bon moment pour monter les enchères et changer le récit. Il le fait si habilement que ces histoires disparates saignent parfaitement dans un récit brutal sans faille qui choque le système tout en vous brisant le cœur en petits morceaux sanglants.

Ceux d'entre vous qui craignent les espaces sombres et clos, les enchevêtrements émotionnels dangereux - et, euh, les créatures sanguinaires et caverneuses - trouveront La descente être la définition même du stressant. Cependant, si vous pouvez gérer le vôtre dans les recoins profonds et sombres de la Terre et du cœur humain, vous trouverez probablement un paradis du film d'horreur dans La descentele purgatoire noir.

Krisha (2016)

Si La descente a l'impression de travailler avec la sainte trilogie des récits de films d'horreur, Trey Edward Shults a livré une trilogie tout aussi énervante pour son thriller psychologique austère, Krisha. Situé dans le foyer de banlieue confortable d'une famille singulièrement fracturée, le film de Shults prend une partie des troubles familiaux complexes, ajoute un soupçon de conflits de vacances manifestes et arrose ce mélange avec une forte dose de drame de dépendance pour créer un pitch-perfect, pitch-black soufflé cinématographique qui a été critiqué par certains critiquesattaque de panique cinématographique' À la libération.

Au centre fondu de ce soufflé stressant se trouve un spectacle de Krisha Fairchild, qui dépeint le personnage titulaire avec à parts égales fragilité et menace pure et simple. Comme Krisha s'ouvre, son histoire ressemble à une histoire rédemptrice de rétablissement et de pardon, mais au fur et à mesure que le jour de Thanksgiving de la famille progresse, il devient clair que certaines blessures sont lentes à guérir. La journée se dissout rapidement en un défilé de regards caustiques et de mots mordants, et comme elle le fait, l'anxiété se propage sans relâche jusqu'à un pic de fièvre bouillante que vous aurez toujours envie de regarder.

Quand ça finit par finir, disons simplement que leur vie ne sera plus jamais la même. La vôtre non plus. Krisha ne se contente pas de délivrer ce label `` attaque de panique cinématographique '', il induit le type d'anxiété qui vous laissera probablement à bout de souffle une fois que le générique sera lancé. Dans le bon sens.

Le massacre de la tronçonneuse du Texas (1974)

Parfois, un film peut être stressant non pas tant à cause de son contenu, mais à cause de la façon dont ce contenu est présenté. La tronçonneuse Texas Massacre est indéniablement dérangeant strictement sur la base de son contenu - le film parle d'une famille de cannibales face à face qui piègent, torturent et tentent de tuer / manger un groupe d'adolescents sans méfiance, après tout, et c'est une affaire sanglante et brutale , pour être sûr. Celui qui aurait même les plus fervents fans d'horreur au bord de leurs sièges. Il se trouve également être très vaguement basé sur une histoire vraie.

Cette dernière information est celle qui déclenche tant de gens lorsqu'ils s'assoient pour regarder le chef-d'œuvre macabre de Tobe Hooper, mais c'est la façon dont Hooper présente le carnage qui est stressant pour la plupart des téléspectateurs. Tourné sur un film granuleux de 16 mm et mettant en vedette des acteurs principalement non professionnels, l'action macabre Le massacre à la tronçonneuse du Texas ressemble souvent plus à un documentaire qu’à une œuvre grotesque de fiction d’horreur.

Cette sensation hyper-réaliste avait un effet galvanisant sur le public quand le film de Hooper est sorti en salles en 1974, et il continue d'avoir cet effet sur le public à l'ère moderne - mais nous voulons toujours regarder cette œuvre polarisante, dont beaucoup reconnaissent Le massacre à la tronçonneuse du Texas commele plus grand film d'horreur jamais réalisé.

Gravité (2013)

Ce qu'il reste à dire sur Alfonso Cuarón Gagnant d'un Oscar blanc-knuckler qui n'a pas déjà été dit? Le thriller spatial stressant de Cuarón souffle tout en enfer au cours des cinq premières minutes et parvient d'une manière ou d'une autre à maintenir l'intensité de la panique tout au long des 85 qui suivent.

lana archer

Comme l'astronaute pris dans le chaos (Sandra Bullock dans un tour nominé aux Oscars) l'énergie pure et propulsive qui anime La gravité laisse nary une seconde pour réfléchir, voire pour respirer. Plutôt, La gravité est un film auquel vous êtes obligé de réagir au niveau viscéral. Et vous réagirez au niveau viscéral, car Cuarón utilise tous les outils de son arsenal cinématographique (son, espace, musique, effets, montage, etc.) pour vous attirer et vous faire sentir comme si vous étiez pris au milieu de la action.

Le nœud du film est que vous y réagissez également sur le plan émotionnel. Créditez un scénario d'une netteté remarquable de Cuarón et de son frère Jonás qui ont suffisamment intégré les détails dans l'astronaute de Bullock pour que nous nous soucions de savoir si elle retrouve son chemin, et une performance tout aussi pointue de Bullock pour étoffer suffisamment les bords inachevés du personnage pour lui faire sentir authentique. Ce mélange a contribué à faire La gravité l'un des films les plus épuisants et les plus gratifiants sur le plan émotionnel que vous aurez envie de regarder.