Des films pratiquement sans défaut

Par Nolan Moore/1 mars 2018 12:51 pm EDT/Mis à jour: 22 mars 2020 22h30 HAE

Le cinéma est un processus incroyablement difficile. Il y a tellement de personnes impliquées, chacune avec sa propre vision créative, qu'il peut être difficile de mettre tout le monde sur la même longueur d'onde. De plus, vous devez faire face à des problèmes allant du financement à la planification en passant par les accidents sur le plateau.

Avec toutes les réécritures, les projections de tests et les montages de dernière minute, il est étonnant que n'importe quel film soit réalisé. En conséquence, il y a beaucoup de films qui sont juste médiocres. Mais de temps en temps, tout s'aligne parfaitement. Obtenez le bon scénario avec le bon réalisateur avec le bon casting et la bonne équipe, et vous obtiendrez peut-être un film parfait. Ces films sont rares, mais quand ils arrivent, vous savez tout de suite que vous avez trouvé un film sans défaut.



Promenade Mulholland (2001)

Le surréalisme a eu plusieurs champions cinématographiques au fil des ans, de Luis Buñuel à Alejandro Jodorowsky, mais le maître moderne du mouvement est David Lynch. L'homme a un véritable talent pour exploiter le subconscient et créer des images de cauchemar terrifiantes. Par exemple, il y aEraserheadet la troisième saison dePics jumeaux, mais si vous voulez voir Lynch à la hauteur de ses pouvoirs hallucinants, alors consultez son magnum opus,Mulholland Drive.

Expliquer l'intrigue, c'est comme essayer de décrire un rêve profond et troublant. Le film commence quand une actrice innocente nommée Betty (Naomi Watts) arrive à Hollywood dans l'espoir de faire grand. Elle tombe bientôt dans un étrange complot impliquant une belle brune (Laura Elena Harring) souffrant d'amnésie, mais comme Roger Ebertsoulignédans sa revue originale,Mulholland Driveabandonne l'intrigue traditionnelle et «travaille directement sur les émotions, comme la musique». Après tout, la majorité du film est un rêve réel, et en travaillant à travers le subconscient d'une femme au cœur brisé, Lynch explore les sombres machinations d'Hollywood et la fréquence à laquelle nos objectifs grandioses cèdent la place au désespoir.

Et pendant que vous parcourez toute cette logique de rêve - que se passe-t-il avec la clé bleue et la boîte bleue? - Lynch vous garde collé à l'écran avec des séquences fascinantes comme le numéro musical du Club Silencio, l'audition à couper le souffle de Betty et le moment étrange où un réalisateur arrogant (Justin Theroux) rencontre le cow-boy le plus effrayant du monde. Et puis, bien sûr, il y a l'une des scènes les plus effrayantes de l'histoire d'Hollywood, une masterclass en tension qui n'implique que deux hommes dans un dîner. Ajoutez à tout cela la puissance d'une performance de Naomi Watts, et il n'est pas étonnant que la BBC ait nommé ce chef-d'œuvre surréaliste leplus grand film du 21e sièclejusque là.



Soleil éternel de l'esprit immaculé (2004)

Michel Gondry est un réalisateur connu pour son imagination fantaisiste et magique. Charlie Kaufman est un scénariste connu pour son pessimisme et son originalité insensée. Lorsque les deux ont combiné leurs pouvoirs cinématographiques en 2004, ils ont créé une grande romance de tous les temps qui était assez courageuse pour jeter un regard long et dur sur le côté laid de l'amour et comment les relations fonctionnent réellement.

Soleil éternel de l'esprit impeccable interprète Jim Carrey dans le rôle de Joel Barish, un homme solitaire et timide qui rencontre une femme sortante nommée Clémentine (Kate Winslet). Après que leur relation ait pris une tournure difficile, Clémentine subit un processus pour effacer les souvenirs de Joel de son esprit. Blessé, Joel subit la même procédure, mais alors que les techniciens effacent ses souvenirs de Clémentine, Joel change d'avis et décide de riposter, cachant désespérément les souvenirs de son ex-petite amie dans son subconscient.

Utilisant un quantité choquante d'effets pratiques, cette romance inventive saute dans le temps et danse dans et hors des souvenirs, alors que Joel revit les moments heureux et horribles de sa relation, tout en découvrant la cause de la rupture. Le script de science-fiction intelligent de Kaufman a remporté un Oscaret avec Gondry à la barre, Soleil éternel de l'esprit impeccable explore avec audace ce qui se passe lorsque le nouvel éclat frais se dissipe d'une romance et que le couple se retrouve face aux défauts et aux défauts de l'autre. Le film n'ignore pas la douleur et les pièges de faire fonctionner une relation, et en examinant les différentes étapes de la romance, c'est un film qui change et grandit à chaque visionnage.



Shaun des morts (2004)

Plus de 35 ans aprèsNuit des morts-vivants, Edgar Wright a ressuscité le genre zombie avec Shaun des morts, une comédie romantique mettant en vedette Queen, des cannibales et des pagaies de cricket. Le film de Wright a repris le genre mort et l'a ramené à la vie, lui donnant une touche comique. Bien sûr, il n'a pas non plus lésiné sur le gore -Shaun des morts est le combo parfait de rires, de peurs et de drames déchirants.

L'histoire suit un fainéant nommé Shaun (Simon Pegg) qui est forcé de grandir lorsque l'apocalypse zombie descend sur sa petite ville britannique. Avec l'aide de son meilleur ami Ed (Nick Frost), Shaun part à la recherche de sauver ses amis et sa famille, de sauver sa relation et de résoudre des problèmes de longue haleine avec son beau-père. Grâce à l'utilisation experte de Wright de l'édition et de la musique, le film est rempli de touches comiques brillantes, de la battement de records à la 'Ne m'arrêtez pas maintenant'épreuve de force. Et avec Pegg et Wright écrivant le scénario, Shaun des morts est essentiellement le plan de la façon d'écrire la comédie parfaite. Écoutez çaMonologue de Nick Frost qui met en place le reste du film. C'est brilliant.

Mais tous les rires et aucun sentiment ne font un film ennuyeux, et c'est là Shaun des morts dépasse votre comédie d'horreur typique. Bien sûr, les personnages sont loufoques, mais ils sont réels, alors quand ils ressentent de la douleur et de la tristesse, le film nous laisse pleurer avec eux. Le moment où Shaun affronte sa mère zombifiée est absolument angoissant, et si vous ne versez pas quelques larmes pendant le dernier au revoir d'Ed et Shaun, eh bien, vous pourriez bien être l'un des morts-vivants. Bien qu'il soit merveilleusement édité et étroitement scénarisé, Shaun des morts fonctionne si bien parce que c'est un film avec beaucoup de cœur.

Le Grand Budapest Hotel (2014)

Rétrospectivement, il semble que toute la carrière de Wes Anderson se soit développéeThe Grand Budapest Hotel. C'était son film le plus rentable, l'un de ses films les plus appréciés, et c'était la première fois qu'Anderson recevait un Nomination aux Oscars pour diriger. Alors, quelle était la popularité du film?

C'est le mélange parfait de toutes choses Anderson, de sa construction méticuleuse du monde et de son dialogue plein d'esprit à l'air mélancolique qui plane sur tous ses films. Mais ici, il va encore plus loin, utilisant plusieurs chronologies et proportions pour explorer la nostalgie, les mœurs et l'histoire européenne, tout en marchant sur la corde raide entre l'innocence du vieux monde et le pessimisme après la Seconde Guerre mondiale. C'est un conte fantaisiste avec horreur à l'horizon, où nos héros ont une dernière aventure folle avant que la société polie ne s'effondre.

L'intrigue implique un garçon du lobby nommé Zero (Tony Revolori) qui vient travailler pour le flamboyant et grossier Monsieur Gustave (Ralph Fiennes) au Grand Budapest Hotel. Situé dans les collines européennes enneigées, l'hôtel est l'une des plus grandes créations d'Anderson, avec des couleurs pastel et des chambres complexes, toutes parfaitement conçues pour ce monde fantastique. Finalement, Zero et Gustave sont aspirés dans un crime impliquant une comtesse morte, une peinture précieuse et un voyou terrifiant.Au fur et à mesure que le film avance, Anderson nous offre une comédie macabre, des scènes d'action stylisées et certains des personnages les plus adorables de sa carrière.

Sérieusement, où allez-vous voir une poursuite en ski en stop motion, une pause prison avec des pâtisseries et une société secrète de concierges colorés? Avec une brillante prestation de plomb de Fiennes (mettez cet homme dans plus de comédies, s'il vous plaît), The Grand Budapest Hotel est une bouffée d'air frais fantaisiste dans un monde plein de films de super-héros à gros budget. C'est la preuve que le style et la substance peuvent aller de pair - ou tout au moins, les deux peuvent entretenir l'illusion avec une grâce merveilleuse.

Creed (2015)

Beaucoup de gens étaient sceptiques quand ils ont entendu qu'il y aurait un nouvel épisode dans le Rocheux franchise, mais lorsque le film de deuxième année de Ryan Coogler est sorti en salles, les critiques et les fans ont été agréablement surpris par le pouvoir de coupure du film. Ce n'était pas seulement «une suite correcte». C'était la meilleure entrée de la série depuis l'original de 1976, et comme les gens de Cinefix soulignent, le septième film de la franchise était «une introduction hollywoodienne sur la façon de passer le flambeau».

Avec Michael B. Jordan en tête, Croyez se concentre sur Adonis Creed, le fils du défunt grand champion Apollo Creed. Adonis est impatient de se battre et cherche désespérément à faire ses preuves, et il se tourne vers le légendaire Rocky Balboa (Sylvester Stallone) pour obtenir de l'aide. Alors qu'Adonis se prépare à un tir au titre, Ryan Coogler s'appuie sur la mythologie de la franchise de manière passionnante. Par exemple, il met un nouvelle tournure sur la scène de course obligatoire, donnant au moment nouveau puissance et punch émotionnel. Et puis il y a le moment où Adonis va combattre le champion, et le célèbre Rocheux le thème commence à jouer. En tant que critique de cinéma Siddhant Adlakha souligne que c'est «peut-être le moment cinématographique et le signal musical familier les plus mérités de mémoire récente».

Mais Coogler parvient également à prendre la franchise dans une nouvelle direction avec un nouveau personnage principal passionnant. Michael B. Jordan est sur son jeu A ici, nous donnant un héros qui n'est pas un clone de Rocky Balboa mais un protagoniste avec ses propres objectifs uniques. Et le film est plein de ses propres moments uniques, comme le match de boxe virtuose en un coup et le coup de poing d'une séquence au cours de laquelle Adonis shadowboxes contre de vieilles images de son père.Croyez était un film négligé qui a défié les attentes de tout le monde, et il peut se débrouiller avec les plus grandes suites de tous les temps.

Mad Max: Fury Road (2015)

Le genre d'action est l'une des formes les plus pures du cinéma. Bien sûr, vous pouvez décrire des scènes de combat dans un livre, et vous pouvez faire des trucs sympas sur scène, mais des scènes d'action et des caméras ont été conçues l'une pour l'autre. Au cours du siècle dernier, le genre d'action nous a donné des films vraiment impressionnants, de Le grand vol de train (1903) à Panthère noire (2018). Mais si vous voulez réduire le genre à son essence imprégnée d'adrénaline et regarder un film fait de nitro, d'essence et d'énergie cinétique, ne cherchez pas plus loin que Mad Max: Fury Road.

Réalisé par George Miller, Fury Road trouve Max Rockatansky (Tom Hardy) faisant équipe avec Imperator Furiosa (Charlize Theron) pour sauver cinq esclaves sexuels du seigneur de guerre local (Hugh Keays-Byrne) et de son armée de Flamers, Polecats et Warboys. La tentative d'évasion lance une énorme poursuite en voiture à travers le désert, qui a pris plus de 150 cascadeurs de filmer. Plus de 300 séquences ont été tournées, principalement dans le désert du Namib, et selon Miller, environ 90 pour cent des cascades que nous voyons sont réelles. Il y a des motos qui survolent des camions, des hommes qui se balancent d'avant en arrière sur des poteaux géants, et dans une scène, 75 véhicules se déchirent sur le sable, sous l'œil attentif de Miller et de son coordinateur de cascade Guy Norris.

En plus des explosions et des épaves de voitures, Miller et le directeur de la photographie John Seale ont fait un film si beau qu'il appartient à un musée d'art. Il y a l'image étrange du sanctuaire du volant, le tir déchirant de Furiosa s'enfonçant dans le sable et le moment à couper le souffle lorsque l'armada s'enfonce dans une tempête de sable. Les séquences de la nuit bleue sont indescriptiblement magnifiques, et la construction du monde est, bien, hors de ce monde. Miller a créé un univers peuplé de motards mamies, de pêcheurs de corbeaux et de guerriers adolescents qui rêvent de Valhalla. En bref, Fury Road pourrait être le film d'action parfait.

Manchester au bord de la mer (2016)

Certains films sont destinés à divertir, tandis que d'autres ont quelque chose d'important à dire. Et puis il y a des films qui peuvent nous aider à traiter des émotions puissantes auxquelles nous préférons ne pas faire face, comme le deuil. Les cinéastes ont exploré le sujet dans divers genres, de la fantaisie (Quels rêves peuvent venir) et thriller (L'invitation) au drame droit (Dans la chambre). Mais quand il s'agit de gérer la douleur et la perte, Manchester au bord de la mer pourrait être le plus angoissant de tous.

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Écrit et réalisé par Kenneth Lonergan, Manchester au bord de la mer raconte l'histoire de Lee Chandler (Casey Affleck), un concierge isolé et irritable qui revient dans sa ville natale après la mort de son frère. Mais rentrer à la maison pose beaucoup de problèmes à Lee. Non seulement il est choqué d'apprendre qu'il est maintenant le gardien de son neveu adolescent (Lucas Hedges), mais Lee a également du mal à garder le passé à distance. Nous ne voulons pas trop dévoiler l'intrigue, mais il y a une raison pour laquelle rentrer à la maison est la dernière chose que Lee veut faire. Chaque vue et chaque son lui rappellent quelque chose de vraiment tragique qui s'est produit il y a des années, un événement si horrible qu'il pourrait ne jamais s'en remettre.

Affleck a remporté un Oscar pour sa performance ici, tout comme Lonergan pour le meilleur scénario original, et les deux méritaient vraiment leurs petites statues d'or. Chaque geste d'Affleck, chaque ligne qu'il ne disons, juste des maux de douleur. (Et des accessoires gigantesques pour Hedges et Michelle Williams, qui ont tous deux été nominés pour des performances stellaires.) Et tandis que le film est plein de moments inconfortablement comiques - l'humour ici est insupportablement sombre -Manchester au bord de la mer lutte contre le chagrin d'une manière que la plupart des films n'oseraient pas. C'est un film magnifiquement brutal sur la vie avec la douleur pour toujours, et les 20 dernières minutes pourraient être les 20 minutes les plus dévastatrices jamais filmées.

Silence (2016)

D'Ingmar Bergman à Darren Aronofsky, les cinéastes ont souvent réfléchi à deux questions spirituelles importantes: y a-t-il un dieu, et si oui, que veut-il? Et bien que Martin Scorsese soit surtout connu pour ses films de gangsters, il a passé beaucoup de temps à essayer de répondre à ces questions. En 1988, il jette un nouveau regard sur les Évangiles avec La dernière tentation du Christet près de 30 ans plus tard, Scorsese est retourné au christianisme avec Silence, un film sur la crise de foi d'un homme quand il semble qu'il a été abandonné par Dieu.

Il a fallu environ 28 ans pour Scorsese d'apporter Silence au grand écran, ce qui fait que le film ressemble à un acte de foi lui-même. L'intrigue implique deux prêtres jésuites (Andrew Garfield et Adam Driver) qui se faufilent au Japon pour trouver un mentor disparu (Liam Neeson) qui aurait commis une apostasie. Lorsque le prêtre de Garfield est capturé par les Japonais, il se retrouve forcé avec une décision difficile: se rétracter et risquer la damnation, ou regarder ses compagnons chrétiens torturés à mort. Mais quand il se tourne vers Dieu pour obtenir de l'aide, il n'y a pas de réponses, pas de miracles, et notre héros a l'impression d'être écrasé par le silence de Dieu.

Silence est magnifiquement filmé par Rodrigo Prieto, qui contraste la beauté du Japon avec la brutalité des hommes crucifiés qui se noient dans la mer. La partition composée par Kim Allen Kluge et Kathryn Kluge est choquante par sa simplicité, s'appuyant sur les sons de la nature. Et Garfield et Neeson sont parfaits en tant que prêtres torturés - quand ils se rencontrent, leur bataille de fierté et de douleur est comme assister à Acting 101. Mais finalement, comme Richard Roeper a écrit dans sa critique, Silenceexplore la nature de la foi: comment elle peut inspirer à la fois espoir et cruauté, comment elle peut déchirer des vies et donner aux autres la force de continuer à combattre, malgré les doutes.

La sorcière (2016)

L'un des films d'horreur les plus troublants de mémoire récente, La sorcière raconte l'histoire d'une famille puritaine se battant pour leur vie - et les uns contre les autres - lorsqu'une force surnaturelle attaque leur ferme isolée. Magnifiquement tourné et conçu, La sorcière on dirait qu'il a été conçu par un réalisateur vétéran, mais c'était en fait le tout premier film de Robert Eggers. Alors qu'il était juste une recrue, La sorcière est la définition même d'un film sans défaut, surtout quand il s'agit d'obtenir tous les détails correctement.

Parler avec Filaire, Eggers a expliqué ses idées uniques en matière de fabrication La sorcière. «Tout dans le cadre», a déclaré Eggers, «doit être comme si j'articulais ma mémoire de ce moment. C'était mon enfance de puritain, et je me souviens de ce jour où mon père m'a emmené dans un champ de maïs et de ce qu'il sentait. Alors, comment pouvez-vous capturer une «mémoire» comme ça? En faisant beaucoup, beaucoup de recherches. Eggers a passé quatre années étudier le mode de vie puritain et lire des récits de première main sur la possession démoniaque. Il a même emprunté un véritable dialogue à de prétendues rencontres surnaturelles. Parler à Indiewire, Eggers a révélé que certaines des phrases «les enfants disent (dans le film) quand ils sont possédés sont des choses que de vrais enfants auraient dit quand ils étaient possédés».

Eggers s'est également beaucoup impliqué dans les décors et les accessoires. Les costumes étaient cousus à la main et les meubles étaient construits exactement comme les puritains le faisaient. Et même s'il tournait au Canada, Eggers a fait venir un chaume de Virginie spécialisé dans les toits du XVIIe siècle. Eggers voulait que tout soit parfait, mais en plus de tous les détails, le premier réalisateur a réussi à obtenir des performances incroyables de chaque membre de sa distribution, y compris de jeunes enfants et un Chèvre de 210 livres. Et si un film peut faire peur au bétail, alors vous savez que vous avez un classique d'horreur instantané entre vos mains.

Sortez (2017)

Les films peuvent soit vous représenter vous et vos expériences, soit vous mettre à la place de quelqu'un d'autre. Et puis il y a des films comme Sortezqui font les deux. Pour les Afro-Américains, Sortez œuvres - comme Jordan Peele l'a décrit- comme documentaire. C'est une version fictive des horreurs que vivent les Noirs chaque jour. Pour tout le monde, cela montre ce que c'est vraiment d'être une personne de couleur vivant dans un monde blanc. Ça ne fait pas de mal non plus Sorteza un script de tueur, une mise en scène précise et une performance de plomb digne d'un Oscar de Daniel Kaluuya.

L'histoire suit un jeune photographe noir nommé Chris (Kaluuya) qui part à la rencontre de la famille de sa petite amie blanche. À partir du moment où il se présente à leur domaine - pris en charge par des domestiques noirs - tout semble éteint. Peut-être que ce sont juste les blagues mal avisées, les regards étranges et les vibrations racistes décontractées qu'il obtient des parents ... ou peut-être qu'il y en a sérieux Ira Levin passe dans les coulisses. Il s'agit des débuts de réalisateur de Peele, mais vous ne le sauriez pas de la manière dont il tire la tension jusqu'à ce que tout explose dans un bordel sanglant de jiu-jitsu, de tasses à thé et de bois de cerf. Et le scénario de Peele est de premier ordre, plein de touches intelligentes (le méchant riche utilise une cuillère en argent; Chris échappe à ses ravisseurs blancs en utilisant du coton) et beaucoup de préfiguration étrange (`` moisissure noire '' au sous-sol). De plus, il a l'un des meilleures fins d'horreur de ce siècle jusqu'à présent.

Bien sûr, le film égalise les choses avec beaucoup de rires, principalement avec la permission de Lil Rel Howery. Mais au fond, Sortez est un film terrifiant qui se penche sur les vraies horreurs de la société américaine. Grâce à la maîtrise de Peele derrière la caméra et à la capacité de Kaluuya à nous garder à la fois ancrés et inquiets tout au long de la folie, Sortez continuera à effrayer le public tant que les gens se retrouveront piégés dans le Sunken Place.

Mâchoires (1975)

Entre des mains moindres, Mâchoires serait devenu un film de monstre oubliable dans une mer de films B. (Check-out Mâchoires 2, Mâchoires 3-D, et Jaws: The Revenge pour preuve.) Mais plus de 40 ans plus tard, cela donne encore aux gens une pause avant d'entrer dans l'eau. Alors qu'est-ce qui définit Mâchoires en dehors de vos slashers ordinaires? Eh bien, c'est l'homme assis sur la chaise du réalisateur: le seul et unique Steven Spielberg.

Personne ne fait de tension comme Spielberg, et Mâchoires est une masterclass pour créer du suspense. Spielberg est allé le Route d'Alfred Hitchcock et a gardé le poisson monstrueux hors écran aussi longtemps que possible, jouant sur notre peur de l'inconnu. Il renforce l'effroi en utilisant des coups de poing sous-marins et le score de John Williams pour nous faire savoir que le requin arrive. Alors que le shérif Brody scanne nerveusement la plage, Spielberg augmente la tension avec des harengs rouges et un montage brillant (par Verna Fields). Il fait refroidir nos estomacs simplement en faisant sortir un tonneau de l'eau. Même le livre sanglant de Brody et le monologue effrayant de Quint nous font savoir à quel point les choses vont mal si nos héros se retrouvent dans l'eau.

Alors, quand nous voyons enfin le requin dans toute sa splendeur aux yeux de poupée, en sautant en bateau, la scène est prête et le public est prêt. Même si le monstre a parfois l'air un peu caoutchouteux, nous avons vu ce qu'il peut faire. Nous avons vu cette femme dans l'ouverture se faire tirer d'avant en arrière, et nous avons vu le garçon Kintner tiré sous l'eau par une force invisible. Grâce à la configuration de Spielberg, nous croyons totalement que ce poisson de 25 pieds pourrait manger tout le monde à Amity, et même si Brody le fait exploser à la fin, nous sommes toujours un peu nerveux chaque fois que nous allons nager.

Evil Dead II (1987)

Qu'est-ce qui est considéré comme un film sans défaut? Faut-il que ce soit un drame sérieux? Ou peut-il s'agir d'une comédie d'horreur où un mec se bat de sa propre main? Alors que certains snobs peuvent regarder de haut Evil Dead II, ce classique de Sam Raimi réussit parfaitement ce qu'il se propose de faire: vous faire crier puis vous faire rire.

La suite du classique culte de 1981, Evil Dead II est un bon moment groovy au cinéma. Jouant le héros cols bleus assiégé Ash Williams, Bruce Campbell donne un performances physiques fantastiques. Ce qu'il fait dans ce film met Campbell dans la conversation avec Charlie Chaplin et Buster Keaton - il se jette comme une poupée de chiffon tout en étant trempé de sang, et il ne craque jamais une fois (sauf quand il devient fou). C'est du vaudeville pour l'ère moderne.

Les créatures contre lesquelles Ash est confrontée sont en fait assez étranges, de la tête de cerf possédée à Henrietta Knowby gonflée. Bien que les effets de monstre puissent sembler un peu datés, ils se sentent toujours tactiles et réels, et leur seule présence physique donne un sentiment de plaisir et de danger. Et alors qu'il combat les Deadites, Ash se retrouve dans une série de scènes mémorables, de sa dépression psychotique et du geyser de sang au moment dur à cuire où il obtient sa tronçonneuse légendaire. Rapide, amusant et un peu bizarre, Evil Dead II montre comment les films cultes peuvent atteindre ce statut classique.

Impardonnable (1992)

Il n'y a pas d'acteur moderne plus associé à l'Occident que l'homme sans nom lui-même, Clint Eastwood. Mais contrairement à son compatriote icône occidentale John Wayne, les films d'Eastwood étaient davantage sur la révision du genre et sur la prise de vieux tropes dans de nouvelles directions. Et quand il s'agit de démanteler le mythe du Old West, il n'est pas plus déconstructiviste que celui d'Eastwood non pardonné.

L'histoire suit un tireur à la retraite du nom de William Munny (Eastwood) qui, grâce à sa femme aujourd'hui décédée, aurait changé ses habitudes et s'est installé dans une vie d'élever des enfants et d'élever des porcs. Mais lorsque sa ferme commence à s'effondrer et qu'une opportunité d'argent rapide se présente, Munny ramasse ses armes pour un dernier trajet. Le vieil homme qui revient en selle est un appareil classique de l'intrigue du film occidental, mais alors que Munny essaie de collecter la prime sur deux cow-boys renégats, le film va dans des endroits incroyablement sombres.

Selon Eastwood, non pardonné concerne l'inutilité de la violence - vous savez, ce que nous voulons voir à la fin de chaque occidental. Le tue non pardonné sont méchants et angoissants. Les gens crient de douleur et de peur. Les assassins s'éloignent stupéfaits, traumatisés à jamais en appuyant sur la détente. La violence est toujours laide, qu'elle soit servie par Munny ou le shérif brutal d'une petite ville joué par Gene Hackman. Cet homme de loi n'est pas meilleur que les criminels qu'il bat dans les rues. De son coup solitaire à son apogée sombre et pluvieux, non pardonné n'a pas peur de remettre en question nos héros folkloriques ou de viser un genre entier (et, d'ailleurs, un pays) construit sur le sang.

Spider-Man 2 (2004)

Quand Spider-Man 2 balancé dans les théâtres, Roger Ebert l'a salué comme «le meilleur film de super-héros depuis le lancement du genre moderne avec Superman. ' Certes, beaucoup de films de super-héros sont sortis depuis 2004, mais la revendication d'Ebert tient toujours.

Billy Zane

Réalisé par Sam Raimi, Spider-Man 2 n'est pas seulement le meilleur film de super-héros jamais réalisé. C'est aussi l'une des plus grandes suites de tous les temps, là-haut avec L'empire contre-attaque et Le parrain, partie II. Mais contrairement à ces films sinistres, Spider-Man 2 conserve le ton léger du premier film tout en prenant les enjeux émotionnels à un nouveau niveau.

Le film a des décors incroyables, du Evil Dead-une scène de chirurgie inspirée de la bataille épique de Spidey avec Doc Ock. Mais où Spider-Man 2 brille vraiment fait de Peter Parker (Tobey Maguire) un héros vraiment comparable. Il a du mal à combattre un scientifique fou tandis que faire de son mieux pour obtenir une petite amie et garder un emploi. C'est un gars qui est en retard au théâtre et qui trouve du réconfort dans le gâteau au chocolat. Il ressent un vrai bonheur lors du brillant montage `` Raindrops Keep Falling on My Head '', suivi d'un regret déchirant quand il ne parvient pas à sauver quelqu'un en se dérobant à ses responsabilités.

En bref, Spider-Man 2 c'est plus qu'un simple héros combattant un méchant. Comme Michael Curley chez PopMatters mettre dans Spider-Man 2, le public ne se contente pas de demander à Peter d'arrêter le méchant ou de sauver le monde - ils veulent qu'il soit heureux, trouve l'équilibre, fasse de lui un super-héros. C'était le premier film de super-héros à nous donner un super-héros auquel nous pouvions vraiment nous connecter, et il a défini le modèle pour les films Marvel à venir.

L'assassinat de Jesse James par le lâche Robert Ford (2007)

Réalisé par Andrew Dominik, L'assassinat de Jesse James par le lâche Robert Ford flotte comme un fantôme à travers la prairie enneigée. C'est un film épique qui prend son temps. Il n'y en a pas Bande de voyous-des fusillades de style ici - juste un film magnifiquement tourné qui raconte l'histoire de deux hommes très en difficulté: une célébrité aux prises avec une maladie mentale et un fan toxique qui veut tuer ce qu'il ne peut pas avoir.

Brad Pitt en tant que James et Casey Affleck en tant que Ford sont au sommet de leurs jeux ici. Pitt joue le hors-la-loi en tant qu'homme souffrant de paranoïa et de dépression. Il s'enfonce dans les ténèbres, et dans ses moments lucides, il pense à mourir. Mais il y a des moments où les yeux de Pitt deviennent sauvages et la folie commence à bouger, et vous êtes trop terrifié pour même cligner des yeux. Ce sont des trucs dignes d'un Oscar, rivalisé avec Affleck comme un sycophant graisseux et malfaisant, une sangsue précaire qui veut désespérément être célèbre. Bien sûr, quand il se rend compte qu'il n'a pas ce qu'il faut pour se rendre au grand moment, il décide d'emprunter la voie Mark David Chapman.

En plus de la comédie, la cinématographie de Roger Deakins est absolument magnifique. Il a en fait inventé plusieurs objectifs spécifiquement pour le film, nous donnant des images que le critique de film Scout Tafoya décrit comme «quelque part entre une teinte et une peinture à l'huile». La bande originale de Nick Cave et Warren Ellis est obsédante, tout comme la narration de Hugh Ross, qui nous rappelle que nous nous dirigeons vers quelque chose de terrible et de prédestiné. L'assassinat de Jesse James va persister pendant des années, tout comme la légende du hors-la-loi lui-même.

Hot Fuzz (2007)

Écrit par Edgar Wright et Simon Pegg,Hot Fuzz est un film qui s'améliore à chaque fois que vous le regardez. Après tout, il a l'un des scénarios les plus serrés jamais mis sur papier. Si vous voulez en savoir plus sur l'art des configurations et des gains, alors vous devriez revoir Hot Fuzz encore et encore.

Certaines des premières blagues reviennent à la fin de manière inattendue. Par exemple, une drôle de phrase sur les mamans d'agriculteurs qui emballent des armes à feu est spectaculairement payante lorsqu'une mère d'agriculteur essaie de faire exploser l'héroïque Sgt. Angel (Pegg) avec un fusil de chasse. La routine `` fasciste / sorcière '' revient magnifiquement dans le combat final, et les références continuelles à Point Breakmettre en place une scène hilarante mais déchirante impliquant Nick Frost et son cher vieux papa.

D'autres lignes préfigurent en fait des rebondissements assez sérieux. Dans l'ouverture du film, le chef de la police londonienne de Bill Nighy dit au Sgt. Angel qu'il peut faire disparaître les gens parce qu'il est l'inspecteur en chef. Et quand Angel est transféré dans la ville endormie de Sanford, qui fait littéralement disparaître les mécréants? Oui c'est vrai. C'est l'inspecteur en chef joué par Jim Broadbent. Et nous grattons à peine la surface ici - chaque fois que vous regardez le film, vous trouverez quelque chose de nouveau.

Mais en plus du script, Hot Fuzz fait un travail magistral de jongler avec les genres. En tant que critique de films YouTube Mikey Neumann souligne, le film envoie quatre genres distincts: la comédie, l'horreur, le mystère et l'action. Et non seulement il fait la satire de votre Michael Bay film, mais c'est un film d'action légitimement génial en même temps. En plus de tout cela, il y a une bromance réconfortante entre Pegg et Frost. Hot Fuzz est Edgar Wright et Simon Pegg tirant sur tous les cylindres, et il est difficile de penser à une comédie qui peut se comparer à son éclat sanglant et britannique.

Il y aura du sang (2007)

Daniel Day-Lewis est l'un des grands acteurs de tous les temps, mais alors que ses performances dans Lincoln et Mon pied gauche sont incroyables, on se souviendra toujours de lui pour ses délires et ses délires à propos des laits frappés. Bien sûr, Il y aura du sang est bien plus qu'un simple mème - c'est un démantèlement cinglant de la société américaine, magnifiquement tourné par Robert Elswit, et ce pourrait être le plus grand film de la filmographie estimable du réalisateur Paul Thomas Anderson.

Anderson est l'homme derrière des films comme Boogie Nights et Fil fantôme, mais aucun de ses autres films n'a la portée épique et brutale de Il y aura du sang, qui capture une friche stérile avec des richesses incalculables suintant sous les fissures. Là pour tout boire, Daniel Plainview (Day-Lewis), un magnat du pétrole puissant avec une haine de la plupart de ceux qu'il rencontre. Il est id capitalistique de l'Amérique folle, et la seule chose qui le garde en échec est le révérend Rév. Eli Sunday (Paul Dano), le côté obscur du Premier Amendement. Alors que les deux s'affrontent pour le contrôle du pétrole, Plainview perd peu à peu son humanité, jusqu'à ce qu'il ne reste plus qu'un vieil homme en colère avec une quille.

Pour la plupart, Day-Lewis joue Plainview avec une intensité de couvaison. Il se passe beaucoup de choses derrière ces yeux - calculs et concurrence. Mais quand il explose, c'est un feu sans égal par aucune performance dans la mémoire récente. Quant à Anderson, il capture une scène d'image fascinante après une scène incroyable, comme la séquence d'ouverture sans mot et le derrick de pétrole qui brûle au milieu de la nuit, tout en étant accompagné par la partition extraterrestre de Jonny Greenwod. Il est difficile de penser à un autre film américain qui capture ainsi le côté sombre de la cupidité de l'Amérique, et si vous vouliez comparer Il y aura du sang à Citizen Kane, nous ne nous plaindrions certainement pas.

John Wick (2014)

Avec Keanu Reeves dans le rôle titulaire, John Wick se déroule dans un monde d'ombres meurtrier, une société secrète pleine de pièces d'or et de règles mystérieuses. Il y a un hôtel chic peuplé d'escrocs débonnaires et d'assassins sexy, et en tant que critique de cinéma Page Priscilla écrit, les visuels sont baignés de «la palette de Mario Bavo, de Dario Argento». Se déroulant presque entièrement la nuit, le film est riche en rouges, bleus et verts foncés. C'est exactement le genre d'endroit auquel vous vous attendez à voir un croque-mitaine porter un groupe de voyous russes - et les combattre comme il le fait, avec la plus grande facilité.

Reeves ne plaisantait pas quand il a signé pour John Wick. L'acteur s'est entraîné cinq jours par semaine, huit heures par jour, pour quatre longs mois. Il a appris à manipuler des armes à feu, à utiliser des prises de jiu-jitsu et à conduire une voiture comme une star des années 1970. Lorsque les combats se déroulent, il n'y a pas de montage intelligent pour cacher le double de Reeves parce que Keanu bat en fait tous ces méchants. Le gun-fu ici est un spectacle à voir, et comme le film a été réalisé par deux cascadeurs (Chad Stahelski et David Leitch), il n'est pas surprenant que la chorégraphie soit excellente.

Mais se cache sous la surface est l'histoire d'un homme en deuil. John Wick est un veuf dont le chien bien-aimé était un cadeau de sa défunte épouse.Ainsi, lorsque des gangsters à tête chaude assassinent son chiot, ils emportent plus que son animal de compagnie (bien que ce soit déjà assez) - ils le tuent '' occasion de pleurer seul. Donc John Wick est bien plus qu'un film sur un mec qui assassine autant de personnes que possible. Il s'agit d'un homme qui cherche à faire face et espère exprimer sa tristesse et sa rage ... en assassinant autant de personnes que possible.

Gardiens de la Galaxie Vol. 2 (2017)

En seulement 10 ans, l'univers cinématographique Marvel a complètement modifié le paysage hollywoodien. Mais avec autant d'entrées dans une franchise aussi acclamée par la critique, quelle est la meilleure du lot? C'est une décision difficile, mais si vous allez par impact émotionnel, vous devez choisir Gardiens de la Galaxie Vol. 2. Réalisée par James Gunn, cette suite de 2017 suit les aventures de nos héros ragtag alors qu'ils rencontrent une planète vivante avec un très gros ego. Vol. 2 a quelques pièces vraiment mémorables, de la «M. Ouverture du ciel bleu à l'évasion de prison glorieusement violente «Venez un peu plus près». Mais réellement, Vol. 2 c'est bien plus que des flèches magiques et des batteries agulatoires. (Excusez-nous ... batteries anulax.)

À la base, il s'agit vraiment de drame familial et de trouver le pardon. Et bien que la plupart des films MCU traitent de problèmes similaires, Gardiens de la Galaxie Vol. 2approfondit ce que c'est que de survivre à un abus. Presque tous les personnages du film ont été profondément marqués: Star-Lord est manipulé par son père biologique; Rocket Raccoon a été mutilé par des scientifiques; Gamora et Nebula ont été torturés par leur fou Titan d'un père. Même Yondu - qui était un parent pourri de Peter Quill - est hanté par son propre passé sombre.

Chaque personnage gère son traumatisme à sa manière, de se retourner les uns contre les autres pour repousser ses amis. Ces personnages sont brisés, blessant les gens, chacun étant un survivant quelconque. Mais finalement, Vol. 2 est un film sur ces personnes brisées et blessantes qui commencent à avancer et à mûrir, même si ce n'est que par petits incréments. Ils luttent toujours avec la douleur, mais ils apprennent quand pardonner et quand s'éloigner d'une relation destructrice (ou l'exploser avec des pistolets laser), ce qui nous donne l'un des blockbusters les plus complexes d'un genre qui met souvent l'accent sur l'action plutôt que sur les émotions.

Tu n'étais jamais vraiment là (2018)

Tu n'as jamais vraiment été là est le plus grand film anti-action du monde. Il a tous les atouts de votre thriller typique - un ancien combattant perturbé obtient un marteau et bat un tas de méchants à mort - mais l'histoire est loin d'être familière. Pouvez-vous penser à un autre film d'action où le héros tire sur un méchant, mais au lieu de l'achever de façon méchante, se couche sur le sol et chante avec la victime jusqu'à sa mort?

Ouais, probablement pas.

Réalisé par Lynne Ramsay, Tu n'as jamais vraiment été là suit un gars nommé Joe (Joaquin Phoenix), un tueur à gages qui sauve les filles des trafiquants sexuels. Finalement, Joe fait le mauvais travail et se retrouve impliqué dans une véritable conspiration, mais ce qui est si impressionnant, c'est la façon dont Ramsay et Phoenix subvertissent toutes les attentes établies par tant de films auparavant. Par exemple, dans la plupart des films d'action, le héros affronte le méchant et l'envoie dans le royaume. Bien que nous ne voulions pas le gâcher, nous dirons que Joe n'a pas son grand moment cathartique. Le film va dans un endroit plus étrange et beaucoup plus inquiétant, mais finalement plein d'espoir.

Phoenix est à un autre niveau ici. Caché derrière une barbe hirsute, c'est un homme fatigué qui est bon pour blesser les gens, surtout lui-même. Mais quand il ne s'étouffe pas ou ne bat pas de pervers, il s'occupe de sa maman âgée, fait des blagues avec elle et s'assure que son réfrigérateur est toujours rempli. Joe prononce à peine un mot, mais Phoenix vend tout cela avec un marmonnement, un regard et le flash d'un marteau perforateur. Quant à Ramsay, elle a séduit les critiques en renversant le genre d'horreur avec Nous devons parler de Kevin, et elle est tout aussi adepte du thriller d'action. Cela montre simplement que lorsque vous ouvrez un genre à de nouveaux cinéastes avec de nouvelles perspectives, vous vous retrouvez avec une histoire qui va dans des endroits auxquels vous ne vous attendez jamais.